Popcorn Not Allowed Inside

George Harrison: Living in the Material World

2011-11-17T23:57:00.005Z

Todos temos um momento na nossa vida em que damos de caras com a importância e o valor dos Beatles.
Alguns, como eu, não aprofundam esse valor e conhecem pouco mais que o mainstream.
Outros, como o Ramon, são devotos da religião e, como tal, têm uma certa superioridade moral quando se fala da causa.
Foi por ele que tive conhecimento que o último devaneio artístico do sr. Scorsese já estava entre nós, nada mais nada menos do que um documentário, à imagem de No Direction Home: Bob Dylan, sobre o "quiet one" George Harrison.
Recebida a entusiástica aprovação de Ramon, e sendo eu um enorme Scorsesiano nada mais restava do que ver o produto.

E aqui chegamos, pouco tempo após a visualização do duplo dvd que adquiri de olhos fechados.
George Harrison: Living in the Material World é o retrato, fiel e recheado de relíquias, do percurso de transformações e realizações de Harrison.

Com testemunhos vários, arquivos únicos e a qualidade de detalhe de Scorsese, o documentário aqui contido não é mais do que o óbvio:

The Life of George.

Bruce Springsteen & The E Street Band - London Calling Live in Hyde Park

2011-10-21T22:17:00.004+01:00

A repetir incessantemente no meu leitor de DVD anda esta incrível pérola que o Boss nos deixa como espelho da sua carreira.
Recheado de hits e momentos arrepiantes, o que transparece de London Calling in Hyde Park é, mais do que o brilhante som que emana, a sensação de comunhão com todos que o escutam, a sensação de perfeição e a classe de um artista ímpar.

Acho que devia ser obrigatório ver estas quase 3 horas de puro prazer para, entre outras maravilhas, assistir a coisas como o final desta belíssima Racing in the Street.

With you, The Boss!

Senna

2011-10-09T23:56:00.001+01:00

Ayrton Senna da Silva,
A pessoa que me fez chorar no dia 1 de Maio de 1994.
A pessoa que me fez acordar hoje as 6.00hrs para ver uma corrida de F1.
O Maior de todos!

Sem palavras...

Emocionado :(

O Ex-Funcionário

2011-06-26T23:13:00.006+01:00

Passam já 7 dias desde que o ex-funcionário traiu todos aqueles que nele acreditaram.
Passam 7 dias e o assunto deve morrer, sem que, no entanto, deixe de ficar registado.

Não é cinema mas este blog foi dando, em ocasiões especiais, um pulo ao outro azul (que não o céu) que interessa.

Com a devida referência ao fórum "Portal dos Dragões" (de que, infelizmente, não faço parte) e em especial a 2 users ("DrGero" pelo texto e "finz" pela imagem) deixo um texto que traduz o meu pensamento final sobre o ex-funcionário.

"A questão de sermos usados por um treinador ou jogador não é grave.

No futebol como na vida o que conta é avaliar as expectativas de cada uma das partes.

Não me importo de ser “usado” se tenho consciência disso e também me aproveito dessa relação (profissional, pessoal, etc).
Nesse caso há um toma lá dá cá.

Eu senti isso com o Mourinho. Cada minuto que cá esteve era idolatrado mas senti sempre que os projectos (dele e do FCP) eram diferentes embora tivessem conjunturalmente o mesmo objectivo. Quando há a cena da camisola do Rui Jorge ele diz várias vezes que o lugar dele não era o futebol português. Todos nós sabíamos que tínhamos que o usar como ele nos usou a nós.

A forma como saiu, o amuo é mais uma expressão narcisista de querer ter os holofotes para ele voltados. Ou aparece aos saltos para ser filmado ou se esconde para todos notarem a falta. Não há meio-termo.
O Mourinho, como o Viilas-Boas percebem que a parte comunicacional vale mais do que a componente táctica. As guerras que compram, aquilo que dizem são trabalho para adeptos e equipa.

A forma de lá chegar é diferente. Um é actor e o outro um ilusionista.

Essa é a diferença. O discurso do Mourinho centra nele os focos utilizando para isso o expediente de “ser ele a dar o peito às balas” para que os jogadores se focalizem só no que interessa.

Nada mais falso. Quando o faz é para que nunca fiquem dúvidas quem é o responsável pelo maior quinhão de sucesso. É o Chelsea do Special One, o Inter de Mourinho e o Madrid de Mou. Nas conferências de imprensa utiliza estatísticas pessoais em vez de pôr no palco as Estatisticas do clube que representa.
“Eu já ganhei ao Lyon, eu nunca perdi em casa, eu já eliminei o Barcelona”.

Está intrínseco que o trabalho é um imenso espelho individual. Ele trabalha nas equipas mas para o mundo parece que as equipas é que se servem DELE para ganhar.

No fim do primeiro ano do Inter o AVB quer mais e o Mourinho dá-lhe com os pés. Nunca saberemos o que se passou mas tenho para mim, agora mais do que nunca, que deu molho e do grosso coisa que Mourinho nunca conseguiu esconder pelo silêncio e o AVB desvalorizou pela “humildade”.

Não acredito que nesse momento o AVB tenha gizado uma vendetta pessoal anti-Mourinho. Não há nada que lhe tolde o raciocínio.

Seguiu a sua carreira com a mesma noção de Mourinho da importância da vertente comunicacional mas com uma abordagem diferente porque ele ainda era um trapezista sem rede. Não tinha curriculum para tudo centrar nele.

A chegada ao Porto deve ao discurso moderno, ao ser filho da casa, à história Robson, ao sucesso do Mourinho e à qualidade na Académica.

Sabe que não tem rede e sabe a importância do discurso. É mais discreto e observador que o Mourinho e como normalmente quem menos fala mais observa sabe perfeitamente o que os portistas querem. E quando digo portistas incluo a estrutura, o Pinto da Costa.

a) O discurso de portista é óbvio. Isso já tínhamos tido com Oliveira o que ajuda mas não chega para galvanizar. Foi utilizado como uma das coordenadas.

b) As piadas ao Benfica e o espírito guerrilheiro outro. Ele sabia que era disso que gostávamos.
As guerras do Mourinho eram colectivas mas ele afinou a coisa para um perfil de piada de adepto. Depois do estilo sóbrio e coerente de 4 anos de JF esse tipo de abordagem era água no deserto. Mobilizava o grupo de trabalho e encantava os adeptos. Encantar é mesmo a palavra.

c) Mas há um ponto crucial em toda essa estratégia. Mourinho. Não como uma vendetta dele mas como uma percepção de uma vendetta nossa.

Basta ir ao tópico da Champions para perceber que ficou um azedume enorme em toda a nação portista com o Mourinho. Por ter saído da forma como saiu, por não festejar, por ser arrogante, por achar que o Porto ganhou por Ele e que sem ele nada daquilo seria possível.

Ficaram resquícios disso em grande parte da nação portista. Ele que é um sobredotado com a capacidade de em meia dúzia de abordagens encantar o Robson a tal ponto de lhe patrocinar a carreira percebe essa pedra de toque e usa-a de forma a que a rede que lhe fazia jeito se transformasse numa cama elástica.

O Mourinho não festeja com os adeptos? Eu festejo porque sou um deles.
O Mourinho era um tipo ambicioso e via o porto como trampolim? Para mim é a meta porque esta é a minha cadeira de sonho.
O Mourinho evidencia o seu talento táctico como base do sucesso? Eu escondo-o dizendo que o que importa são os jogadores.
O Mourinho acha-se especial? Pois bem então eu sou banal.
O Mourinho está no Real Madrid e diz que quer treinar a selecção por umas semanas? A mim não me interessa porque só penso nisto. Na minha cadeira.
O Mourinho planeia uma carreira de 30 anos? Eu só quero 15 porque o futebol é mais do que ambição pessoal. É sociologia.
Italia, Espanha, Inglaterra? Eu é Japão, Chile e Argentina.

Ele fez-nos crer que o que fizemos de épico sobre os comandos de um vilão e que parecia irrepetível podia ser realizado desta vez pelo herói que demonstraria a todos que o que importa é o PORTO e não o génio de um treinador.

Fez tudo isto porque é um fabuloso treinador e que percebe a importância do psicológico, do comunicacional, do elan na vitória.

Enquanto o Mourinho se julga uma mega-onda ele envolve todos (como diz agora no Chelsea) num gigantesco tsunami dizendo o que é preciso, quando é preciso.

Autenticidade ZERO. Discurso comunicacional 1 MILHÃO.

É de tal forma eficaz que tem o mesmo efeito do Mourinho mas faz parecer que aquilo não é estratégia em prol dum objectivo.

Não é estratégia, é honestidade, autenticidade e paixão.

Faz com que todos se sintam como guerrilheiros à boa maneira de Braveheart. Vendou-nos os olhos, anestesiou o raciocínio.

Manipulação de massas tocando nos pontos que tinha que tocar. Todos a acreditar no herói. O Beto a chorar no balneário. Brilhante.

O PdC a pôr as mãos no fogo por ele mesmo sabendo que 15M não eram inalcançáveis. A ilusão da raposa velha. A ilusão de todos.

As qualidades tácticas estão lá como estão em dezenas de treinadores.
Esta capacidade comunicacional é única porque não parece premeditada ao contrário do Mentor.

Estamos num mundo em que precisamos de acreditar em algo. De nos emocionar por algo. De ter um líder que nos inspire e que seja um de nós.
Que seja humilde.

Ele sabe disso e deu-nos o que queríamos para chegar onde queria.

Pode ser contraditório mas sem esta táctica poderíamos não ter ganho o que ganhamos da forma como ganhamos.
Genial treinador.

Devíamos estar gratos?
Nem por sombras. É um traidor da pior espécie.
Era como se um dos capitães do 25 de Abril na realidade estivesse feito com a PIDE.
A revolução era feita na mesma mas o idealismo e a crença no próximo eram arrebentados."

DrGero (22-06-2011 19:39:09)

The Tree of Life v.2

2011-06-03T22:43:00.005+01:00

A segunda visualização era obrigatória (penso que a terceira ainda ocorrerá) mas as palavras não lhe fazem justiça.
A não ser que se consiga a colaboração de alguém com o dom da palavra.

Com vocês, e em colaboração especial, a opinião de SM.

"Não resisto a recomendar uma experiência catártica, visual e espiritual sem paralelo no cinema actual. Não é 3D e no entanto tem mais dimensões que a própria vida. A origem da vida em paralelo com a própria origem e formação de um ser humano forjada nas dores do crescimento. Terrence Malick sabe que crescer é sofrer. Ficar entalado entre o amor maternal, desmesurado e incondicional, e a pressão – que não deixa de ser amor – paternal. Um ensina-nos a amar. “Love everyone. Love every leaf, every ray of light.”. Outro ensina-nos a resistir ao mundo agreste que nos espera. “I've just always wanted you to be strong, be your own man”. Ambos dão o melhor, o que têm e o que não têm, e ambos vivem para sempre dentro do saco de recordações em que se torna um adulto. Jack, adulto, sabe que a vida não é fácil, a ganância e a manipulação imperam na prisão de aço e vidro onde trabalha em contraponto com o chão de relva e o céu de árvores onde cresceu.

A simbologia das árvores é fortíssima, e não é por acaso a sua presença no título e a sua constância no filme. Desde os tempos imemoriáveis que são consideradas um elo de ligação entre os homens e os deuses.

Sem ser dogmático é um filme religioso no sentido em que a música de Mozart, por exemplo, também o é. E isso torna-o uma experiência única e sem paralelo. Se a música nos aproxima do divino, raríssimas são as imagens que por si só o conseguem. Num trabalho de montagem estonteante a música surge como uma aliada natural das imagens potenciando-as até um limite quase doloroso para nossos duros sentidos. Quando o filme acaba já estamos rendidos e queremos mais, mais poesia, mais vida.

Onde estão os deuses da nossa infância. O que somos nós para eles, ouve-se no início do filme. Expulsos do paraíso da infância, perdemos os primeiros deuses que conhecemos. Preces, perguntas e queixumes atravessam o filme, os adultos são prisioneiros da razão, daí que a personagem da mãe seja quase angelical, também ela uma árvore da vida, também ela um elo de ligação com o divino.

A árvore da vida é também a da morte, morte que está presente desde o início, servindo de ignição ao ténue eixo narrativo, enluta o filme com um sentimento de perda inabalável, acelerando, por exemplo no caso de Jack, o caleidoscópio das recordações.

Agustina Bessa-Luís disse uma vez que toda a mística é poética e nós vivemos numa época sem mística e, portanto, sem poesia. Este filme, este objecto, poderá ser uma gloriosa excepção a essa sentença. Um meteoro destes só aparece de vez em quando e quando aparece deve ser visto numa sala de cinema, local para o qual foi feito.

SM"

Obrigado a SM por tão bem expressar aquilo que The Tree of Life representa.

The Tree of Life

2011-05-26T22:39:00.003+01:00

O novo Malick é o que dele já se esperava: essencial e obrigatório.

Essencial porque Terrence Malick faz falta ao cinema, e de cada vez que abandona a sua "caverna" o sol brilha com outra cor.
Obrigatório porque as obras-primas são cada vez mais escassas e não convém desperdiçar oportunidades. Até porque um Plasma, LED ou LCD caseiro nunca será um "grande ecrã".

Da vida e de nós, é este o fio condutor de The Tree of Life, um filme maior do que o tempo.
Das imagens que valem por milhões de palavras, e das palavras que encaixam no nosso puzzle.

Do sentir e do gostar. Do mudar e do entender.
Do viver e do amar.
Sempre.

"Unless you love, your life will flash by".

O nosso destino!

2011-04-04T21:33:00.003+01:00

Porque nem no melhor guião seria tão...perfeito!

Obrigado a todos os actores!

True Grit

2011-03-04T23:19:00.001Z

E assim se fez um clássico!

Se a fotografia de Roger Deakins não deslumbrar.
Se a marca Coen não bastar.
Se Jeff Bridges não esmagar.
Se Haille Steinfeld não conquistar.
Se "Leaning on the everlasting arms" não tocar.

Se tudo isso não chegar, lembrem-se:
"Time just gets away from us..."

Somewhere

2011-02-28T23:03:00.000Z

I'll try anything once (The Strokes) toca nos meus ouvidos enquanto escrevo estas singelas palavras que não farão justiça ao último trabalho de Sofia Coppola.
Está dado o tom, e num flash (longo e com luz própria como Sofia sabe) Somewhere volta a percorrer a minha mente e sinto que estou de novo no Chateau Marmont Hotel, prestes a iniciar a minha viagem.

Tal como nos anteriores filmes de Sofia Coppola faltam as palavras. Nos seus filmes e a nós, espectadores.
Não é um Lost in Translation v.2, nem tenta sê-lo, diga-se desde já. É o mundo de Sofia, biográfico (talvez), estilizado, silencioso, e bom. Muito bom, mesmo.

Belíssimo, como todos os anteriores, Somewhere "narra" o quotidiano de uma estrela hollywoodesca, um playboy sem rumo aparente, que passa pela vida sem perceber que por mais voltas que se dê, o caminho faz-se caminhando.

Para alguns (todos?) será um espelho, para outros uma janela.
Somewhere...

Greenberg

2011-02-09T22:32:00.001Z

O mais recente (2010) trabalho de Noah Baumbach volta a percorrer os caminhos das relações humanas centradas na descoberta do eu.

Saudações das profundezas humanas parece querer dizer Baumbach mais uma vez. Lá está o seu humor negro, a sua capacidade de tornar simples o complexo e de criar diálogos pejados de citações futuras. Cinco anos depois de The Squid and the Whale, e ainda que em tom ligeiramente menor, voltamos a sentir a paleta de cores do universo Baumbachiano em todo o seu esplendor.

Ben Stiller, naquele que será o seu mais bem conseguido desempenho até à data, é o protagonista desta narrativa sem, aparente, rumo.
Como par, de caminhada interior, e co-protagonista está a (para mim) desconhecida Greta Gerwig. Num registo menos contido a sua Florence é a alma de todo o filme, e o casting perfeito para contracenar com o Roger Greenberg de Stiller. Parabéns a Baumbach pela escolha.

Num tom de crónica, diário até, Greenberg conta-nos, pela pele do protagonista, a sucessão de dúvidas e desafios através dos quais o ser humano procura crescer. São pinceladas da natureza humana que contam com uma belíssima banda sonora (James Murphy dos LCD Soundsystem).

Sendo um filme tão marcadamente de autor, Greenberg sofreu as críticas fortes que o cinema "diferente" costuma sofrer. Felizes dos que conseguem gostar do género e perceber que num olhar ou num gesto (há alguns momentos de notável interpretação minimalista) está muito do que se procura num filme.

Vale a pena continuar a tomar nota do nome de Baumbach e vale a pena ver este Greenberg, mais que não seja pelo seu final, que, sem desvendar nada, vale por si só os 107 min de película.

"You like me so much more than you think you do."

Black Swan

2011-02-05T02:00:00.000Z

João Lopes tem razão. As unanimidades em época de galardões são algo que nos tolda o discernimento e facilitam a análise.
João Lopes tem também razão quando afirma que recomendar filmes é inútil porque cada olhar vê à sua maneira.
João Lopes "recomenda" Black Swan por isso mesmo.

Eu procuro ler sempre a opinião de João Lopes sobre um qualquer filme. Na larga maioria dos casos concordo com o seu olhar.
João Lopes não gostou de Black Swan que apelida de "insultuoso para o ballet".
Eu, que de ballet nada sei, concordo com João Lopes: "nenhum olhar coincide com outro".

Mas afinal, e aos meus olhos, o que é então Black Swan (esse furacão de unanimidade)?
Viram The Wrestler e sentiram a proximidade da câmara? O pulsar de Mickey Rourke?
Esqueçam a face desfigurada de Rourke e pensem em Natalie Portman.
Troquem o wrestling por ballet (ainda que talvez insultuoso) e... mais não digo.

Visualmente forte, visceral e inquietante, Black Swan assenta nos finos ombros dessa grande actriz que dá pelo nome de Natalie Portman.
Num papel que não conseguimos ver noutro corpo, Natalie Portman transcende-se e, num aparente overacting, é o mais credível que poderíamos pedir.

Tudo tem a marca de Aronofsky (desde a proximidade da câmara, ao jogo de luzes, à musicalidade de Mansell), claro e quem não gosta poderá sentir-se defraudado e apelidar, então, a unanimidade como culpada de 105 minutos perdidos.

Quem gosta, quem acredita que tudo aqui tem um fundamento que não a unanimidade, ficará rendido e terá a tentação de dizer:

"I felt it. Perfect."

And Now For Something Completely Different v.2

2011-01-29T16:04:00.004Z

Porque há bons realizadores em todo o lado, e porque toca aqueles que sentem a causa, aqui fica.

Cá estaremos para colocar a continuação :)

Biutiful

2011-01-28T23:48:00.005Z

Alejandro González Iñárritu tem, perante mim, muito crédito.
É por ter tanto crédito que estas palavras não me demoveram. Vieram até reforçar a vontade, e deixar para outro dia a também obrigatória visualização de Hereafter.

E Iñárritu reforçou o crédito, continuando, ao 4º filme, a deliciar-me com cada plano. Mesmo sem Arriaga, que decidiu voar a solo (não que seja mau The Burning Plain) e não devia.

Biutiful é muito mais do que o enorme Javier Bardem, e é também muito mais do que tão só o primeiro filme não-mosaico de Iñárritu.

É uma história simples, linear, que toca fundo e que, na escuridão da sua Barcelona, nos remete para os nossos próprios becos e atalhos.
É cinema bom, de que já tinha saudades, e é uma pena que 145 minutos passem tão rápido.

Bella!

Top 2010

2011-01-08T15:43:00.004Z

2010 foi um ano diferente, de mudanças, que, infelizmente, condicionaram (e condicionam) o tempo disponível para a 7ª arte.
Ainda assim viu-se, por aqui, algum cinema. Menos do que o pretendido mas viu-se. Escreveu-se foi ainda menos e este post é uma tentativa de redenção perante aqueles ( e perante mim próprio) que por aqui continuaram a passar.
Não vou fazer um top 15 como nos anos anteriores, e até vou incluir filmes de que aqui não falei.
Vai ser diferente mas é um novo começo.

Eis então o meu Top 10 de 2010:

10 - The Road
A viagem adiada, na companhia de quem gostamos.

9 - Away we go
Uma outra viagem num registo diferente, mas nada menor, do grande Sam Mendes.

8 - Up in the Air
A solidão, o realismo. É um Juno adulto que não perdeu a irreverência.

7 - (500) Days of Summer
O Annie Hall do século XXI.

6 - Whatever Works
Se um Woody Allen por ano faz sempre bem à saúde, um Larry David lá metido é o quê? Overdose?

5 - Where the wild things are
O Principezinho e os Marretas. Juntos. Magníficos.

4 - Inception
Christopher Nolan, a juntar o melhor de Memento e de The Dark Knight, uniu-se a Leonardo DiCaprio. O resultado foi arrebatador.

3 - Das Weisse Band
Impressionante na sua frieza, no seu branco sujo e na sua aparente pureza. Um marco.

2- El Secreto de Sus Ojos
É Pablo Sandoval. É a "cancha do Huracán". É aquele plano que quem viu não esquece. São os olhos. É tudo!

1 - Shutter Island
Thank you Marty!

PS - Sim vi também The Social Network, que foi para mim a desilusão da década!

For 2011, a resolution

2010-12-31T18:16:00.002Z

Ainda aqui estou.
E prometo aparecer mais vezes.

Feliz 2011!

Caldas de Reis - 16-7-2010

2010-07-17T14:09:00.014+01:00

A viagem, perfeita, com um Ramon-GPS que não falha.

O local, pitoresco e movimentado, onde estacionar foi filme.
O recinto, onde fiambre significa "quejo o chorizo?"...
A espera, porque Johny Winter não se calava.

A ansiedade, que começa a aumentar quando o entendido da música diz, contrariando o anunciado alinhamento: "não são eles a seguir, o Óscar não usa assim os pratos", "os amplificadores deles não são estes geralmente", "é definitivo, não são eles a seguir".

O drama. Será que cancelaram sem aviso prévio? Será?

Mas eis que se ouve um acorde familiar enquanto se ultimava o som.
Não havia dúvidas, eram mesmo eles. Ali. A 5 metros. Em Caldas de Reis e não numa qualquer Londres ou Birmingham como já só pensava possível.

Faltava um par de elementos da comunidade lusitana. Estavam atrasados por culpa própria. Mas o palco não esperou e Riverboat Song deu início a uma hora mágica.
Foram tocados hits de sempre (The Circle, Profit in Peace, Get Blown Away, Travellers Tune, One for the Road, This Day Should Last Forever, So Low, 100 Mile High City, The Day We Caught The Train) e músicas do novo álbum (Magic Carpet Days, Old Pair of Jeans, Saturday) assim como Go To Sea do penúltimo disco e talvez outras que a memória não guardou...

No final cumpriu-se um sonho que não julgava ser possível a tão breve prazo. E nem sequer um final de concerto descoordenado adulterou a magia do momento.
As fotografias não ficaram famosas, como seria de esperar.

Havia ainda algo a cumprir: conhecer a banda.
Não foi um desejo cumprido na totalidade mas Mr. Dan Sealey teve a gentileza de se deslocar até ao local onde estávamos, no exterior da entrada dos artistas, e "while they are shouting" trocou connosco umas palavras onde mostrou conhecer o Porto na sua melhor vertente (great team!), e gostar de cá vir tocar um dia (i'd love to).

Thanks a lot Dan!

PS - A emoção de estar em contacto com um membro dos Ocean Colour Scene impediu-me de ter a presença de espírito de tirar com ele uma foto...
Imperdoável!

PPS - Foi assim que tudo começou:

De volta

2010-07-13T19:24:00.002+01:00

Ora viva a quem não desistiu de por aqui passar.
Já tinha saudades de escrever.
Não tinha era tempo.
Ainda bem.

Culpas a repartir por algumas mudanças e pela(s) Jabulani(s) do dia(s)...

Neste regresso, ainda sem 7ª arte nas letras, comunico apenas uma extraordinária notícia que abalou a minha manhã de hoje.
09.36h do dia 13 Julho de 2010, Ramon (esse portador de boas notícias) escreveu assim:
"Ocean Colour Scene ao vivo na galiza, nesta sexta-feira. Somos meninos?"

A minha reacção, longe de um pc para perceber a dimensão da coisa, foi temerária. E agora, passadas largas horas, ainda não acredito bem... Há sempre uma apendicite por aí à espreita.

Mas (fingers crossed) será assim no dia 16 Julho (um N no lugar do L e era mítico)

E nós vamos ser meninos.

El Secreto de Sus Ojos

2010-05-21T23:51:00.002+01:00

Falar é estragar.
Ver é sentir. Os olhares, as vidas.
Não se admitem "ses", porque um "se" muda um passado mas impede o futuro.

A beleza.
Da banda sonora.
Das imagens.
Da "cancha del Huracán" que nem Javier Pastore sentiu assim. Sublime plano sequência.

A força.
Da narrativa. Dos actores.

O riso.
Que Pablo Sandoval nos "rouba".

O desejo.
De Benjamin e Irene.

A justiça.
De um galardão que raramente é justo.

Os olhos.
Todos.

Peliculón!

Cassandra's Dream

2010-04-19T23:44:00.004+01:00

Capítulo final da trilogia londrina de Woody Allen, Cassandra's Dream volta ao nível de Match Point após um, relativamente, decepcionante Scoop.

Usar Match Point para enquadrar Cassandra's Dream só pode ser lido como um elogio. Match Point é, para uma larga maioria, o melhor trabalho de Allen na sua incursão londrina. Para mim também, ressalvo desde já. No entanto, e para ser justo, Cassandra's Dream é, com o passar dos anos, um magnífico filme sobre a mesma temática que dominou a trama de Match Point: a ambição.

Mais uma vez, e como contraponto do recente e fantástico Whatever Works, Allen demonstra que a colagem à comédia não é, de todo, ajustada ao autor. Aqui, tal como no seu primeiro trabalho por Londres, é de um excelente drama humano que falamos. Pautado por situações cómicas, claro, mas que não nos afastam do sentido principal da obra.

A ambição e a família são vectores que por vezes colidem em todas as sociedades, assim sendo, nada mais real nos é mostrado nesta simples história de uma família.
Dois irmãos, vários problemas e uma solução fácil. Ou talvez não.

As questões morais imperam nesta obra condimentada por um argumento coeso, que, como quase sempre em Allen, detalha as personagens sem concessões. Tudo tem um motivo, tudo nos parece plausível. Tudo poderia acontecer.

O ritmo de Allen é seguro (para alguns lento), os actores são peças que encaixam na perfeição, os diálogos são cuidados e cada cena é uma pequena peça do puzzle final. Allen é mestre na montagem de puzzles e demonstra-o mais uma vez.

Ewan McGregor está demasiado real para ser ficção e Colin Farrell é (será?) o actor que eu nunca antes tinha notado. Tom Wilkinson é um secundário poderoso e Hayley Atwell é uma novidade que promete.

Tudo somado é muito mais que um piloto automático de Woody Allen. É cinema clássico dos tempos modernos e tem o selo de um dos melhores.
E isso basta.

Away We Go

2010-04-12T22:10:00.000+01:00

Depois de Revolutionary Road, Sam Mendes volta a questionar as escolhas que fazemos.
Pouco muda. A não ser o sol.
São mais solarengos os dias de Away We Go.

E, visto esse sol, podemos concluir que Sam Mendes é também um realizador primaveril. O que não surpreende.

Típico "indie movie", Away We Go insere-se naquela categoria que erradamente (digo eu) se diz ser a comédia dramática. Confesso que esse selo não me agrada. Não que o nome esteja desajustado, que não está, mas tão só porque existe um problema geral relacionado com o tom a dar ao termo "comédia". Mas isso seria outro assunto, que não cabe aqui. Agora.

Away We Go parte de uma premissa nada difícil de aceitar: os desafios da paternidade. "Será o momento certo para? Seremos nós suficientemente bons na função? O que é ser bom pai/ boa mãe?"
A partir desta ideia, e tentando dar uma visão curiosa de alguns tipos de pais que habitam o nosso mundo, Sam Mendes filma, com uma ternura contagiante, a busca do Santo Graal pelo jovem casal.

Ajudado por um elenco muito bom, por uma banda sonora deliciosa (maioritariamente de um, para mim, desconhecido Alexi Murdoch) e por uma fotografia adequada, Away We Go é um dos melhores filmes que este 2010 já nos trouxe.
E é também mais um, precioso, exemplo de que mais do que o destino conta o caminho que se faz para lá chegar.

Aqui e sempre.
Here we go!

2 Anos (e alguns dias...)

2010-04-05T22:24:00.002+01:00

"Bater no fundo" é ter um blog que cumpriu 2 anos e cujo responsável se esqueceu de o referir?
Ou "bater no fundo" é ter um blog cujo próximo post sai "amanhã"? E nunca mais é amanhã.
Espero que sim, que seja bater no fundo.

Agora só se pode subir.

The Royal Tenenbaums

2010-03-25T23:55:00.004Z

Wes Anderson é daqueles que se ama ou se odeia.
Esse costuma ser um óptimo cartão de visita. Realça a singularidade e, no limite, poderemos sempre afirmar que ousou tentar mesmo quando a mensagem nos passa ao lado. Muito ao lado.

Comecei a conhecer o cinema de Wes Anderson pela ordem inversa das suas realizações. Vi primeiro The Darjeeling Limited (que, não esqueço, visionei no dia em que assisti a Entre Les Murs no cinema), e a sensação foi de novidade. Talvez um pouco de estupefacção, não sei, o certo é que não me tocou por aí além. Não desisti.
Vi depois, uns meses largos depois, The Life Aquatic with Steve Zissou e comecei a compreender melhor todo o universo Andersoniano. Acho eu.
Não escrevi sobre ele aqui porque quis confirmar se tudo aquilo que lia era verdade: que a sua obra-prima era The Royal Tenenbaums.

Pois bem, sem ainda ter visto o recente Fantastic Mr. Fox e sem ter tido ainda oportunidade de ver os iniciais Rushmore e Bottle Rocket, a minha opinião é coincidente: The Royal Tenenbaums é daqueles filmes perfeitos. Nada menos que isso.

Mas, é perfeito porquê?
Não sei explicar.
Sei que toda a estética, todos os cenários, todos os diálogos e todo o argumento me enchem as medidas.
Sei dizer que já o revi duas vezes nas últimas semanas.
E sei dizer que Wes Anderson fala da família como poucos conseguem.

É um mundo singular, aquele que Anderson constrói, repleto de peculiaridades e de "aberrações".
Naturalmente que para alguns (os que o odeiam) essas são mesmo aberrações, não se entendem, e não se toleram.
Outros, e existem muitos felizmente, compreendem e aplaudem a ousadia do autor, e enaltecem a forma como tudo flui. Naturalmente.

Nada se passa por acaso. Tudo foi meticulosamente estudado, preparado, ensaiado. Tudo obedece a um padrão próprio e tudo é natural.
Assustadoramente natural.

Tudo encaixa (os actores, os planos, a música), tudo parece ter nascido aqui.
Os Tenenbaums são geniais porque além de coração têm alma.
Alma de regra e esquadro.

Lake Tahoe

2010-03-04T21:50:00.004Z

Depois do promissor Temporada de Patos, o mexicano Fernando Eimbcke consegue, com o belíssimo Lake Tahoe entrar para a minha lista de "nomes a não perder de vista". Parabéns.

Lake Tahoe pode, simplesmente, ser definido como um ensaio sobre a solidão e a perda, sempre com uma metáfora a acompanhar. Sempre subtil, sempre certeira.

Com um ritmo lento, para alguns será até demasiado lento, Lake Tahoe precisa de todo esse tempo, de planos abertos onde as personagens caminham de um extremo ao outro sem pressas, para que consigamos absorver tudo o que nos é apresentado.

Optando por soluções narrativas peculiares, Eimbcke consegue, em pouco mais de 75 min, proporcionar sensações que só estas pequenas pérolas por vezes conseguem. A fotografia, as interpretações, de jovens na maioria, são todas tão reais que sentimos fazer parte de um dia na vida de Juan, o protagonista.

E se tudo isto não bastasse, Lake Tahoe apresenta, nos seu créditos finais, uma daquelas pequenas obras de arte musicais que tão cedo não esquecerei: "La llorincita" a cargo dos "Los parientes de Playa Vicente".

Na senda de outros autores, Eimbcke confirma o bom momento do cinema mexicano. Lake Tahoe é, sem dúvidas, mais uma pequena pérola que merece ser descoberta.

Belíssimo!

A Serious Man

2010-02-28T18:28:00.001Z

O que é um grande filme?

Colocados perante esta pergunta, a resposta só pode ser uma: depende.
Depende de nós, em primeira instância, depende da mensagem que captamos, da nossa sensibilidade perante a forma como a mensagem é transmitida e depende do momento, claro.
Estaremos nós disponíveis para captar aquilo que o ecrã nos transmite? Estaremos "in the mood" para este filme, neste momento?
São perguntas que surgem, sempre.

Agora pensemos nos irmãos Coen. Quem conhece a obra saberá, naturalmente, que estas perguntas atingem um significado ainda maior quando deparamos com o selo "Coen movie". E com razão.

Os Coen exigem, tal como outros, uma predisposição peculiar para saborear cada uma das suas obras. E tentamos.
Umas vezes, felizmente muitas, pensamos ter conseguido captar aquilo que nos é mostrado. Noutras, algumas ainda que poucas, somos vencidos à primeira tentativa. Mas não desistimos e sabemos, às vezes lá mesmo no fundo, que uma qualquer 2ª, 3ª... 10ª visualização acabará por nos mostrar aquilo que a nossa mente demorou a perceber.

Felizmente A Serious Man não exigiu uma 2ª visualização (embora seja sempre aconselhável). E, embora criticado ferozmente por muitos, deixou-me, uma vez mais, a falar bem dos Coen.

Por mais absurdo que às vezes pareça, por mais "simplicidade" que aparente, por mais humor negro (para alguns mais do mesmo na obra dos Coen) que tenha, a verdade é que a genialidade dos senhores está toda lá. Implícita na maioria dos casos.

Fazer um filme sobre uma comunidade judaica, no interior americano, dos anos 60 é algo que muitos já terão feito. Fazê-lo com esta ousadia e, até, surrealismo já é diferente.
Partindo de uma composição brilhante da personagem principal, um homem sério obviamente, os Coen compõem um puzzle narrativo sobre os medos e o destino. Negro, claro.

Num elenco desconhecido, mas excepcionalmente bem escolhido, Michael Stuhlbarg brilha de modo assustador. O seu Larry Gopnik é, já hoje, uma das personagens mais míticas de toda a filmografia dos Coen. Mais uma.

Porque a religiosidade não é específica de uma única comunidade, A Serious Man é o mais generalista possível. Mesmo que não o aparente.

Perfeição,deliciosamente, exagerada!

No Distance Left To Run

2010-02-27T16:00:00.002Z

"I think we all really needed to be very public about this healing process. And the music was a big part of the healing process."
Graham Coxon

Impressionante testemunho, honesto acima de tudo, da banda que cresceu mais do que imaginou.
Impressionante pedaço de história, pedaços aliás, que nos é mostrado nestes mais de 90 min que passam num ápice.
Impressionante a capacidade autocrítica de todos eles e a capacidade de se unirem em torno de uma amizade que foi sempre o motor.
Impressionante constatar a força das coisas simples. A força dos reencontros. A força da música.

Impressionante Glastonbury 2009 que nos deixou imagens assim:

"As beautiful a memory as i'll ever have"

Damon Albarn

Impressionante por tudo.
Por aquilo que mostra e por aquilo que implica.
Impressionante pela coragem e pela verdade.
E pela música. Sempre.

Tender is the touch
Of someone that you love too much
Tender is the day
The demons go away

Shutter Island

2010-02-26T00:58:00.001Z

O cinema nunca nos desilude. Nunca.
Os "grandes", os especiais, sabem sempre como fazê-lo. Tocam sempre nos sítios certos e deixam-nos, quase sempre, de boca aberta. Como se fosse a primeira vez.

Serve esta ideia inicial para justificar a ausência de "notícias" que o estaminé sofreu nos últimos tempos. Não que este que escreve tenha deixado de frequentar as salas de cinema, não, apenas levava expectativas muito altas para os dois últimos filmes que vi, em sala, e a semi-desilusão que sofri coibiu-me de os abordar aqui.

Mas hoje, no dia que marcou o regresso de um dos mestres, o cinema estava lá. Como se quer.

Shutter Island marca o regresso de Scorsese, depois de The Departed (com Shine a Light pelo meio), à realização "tradicional" e é um prazer revê-lo, alguns anos depois, no mesmo patamar. Na excelência.

Há quem diga que Shutter Island vale muito pelo soberbo argumento, de que não posso revelar mesmo nada, e não tanto pela "mão" de Scorsese. Li até que este poderia ser um filme de Shyamalan e não posso estar em maior desacordo.
Shutter Island é, claramente, Scorsese. Tem a sua marca em todo o lado: em inúmeras cenas de antologia; na montagem característica de Thelma Schoonmaker; na fotografia de Robert Richardson (que recentemente assinou Inglourious Basterds), sem esquecer a quase crónica presença de Dante Ferretti nos trabalhos de Scorsese.

Não quero abordar muito do filme em si pois, tal como fiz a mim próprio, penso que será melhor entrar na sala sabendo o mínimo possível sobre o enredo.
Sabia apenas que contava com Di Caprio, com Ruffalo e que se passava numa ilha nos anos 50 do século passado. E foi (é) suficiente.

Agora, depois de o ter visto, nada mais senão elogios ouvirão de mim.
Começando pelo elenco (essencial num filme de personagens), em que não conseguimos destacar uma actuação tal o nível que todos apresentam, passando pela fotografia, que nos deixa momentos de beleza ímpar, e, claro, pelos geniais planos de Scorsese.
Sobre estes, e sem querer estragar surpresas, digo apenas que tive vontade, a dado momento aquando de uma cena de fuzilamento, de me levantar e aplaudir, de tão perfeita que é a cena. Brilhante.

De Shutter Island nada mais me ocorre dizer, a não ser recomendar, para ontem, que o vejam. É com filmes destes que se faz a magia da 7ª arte.

Thank you Marty!

Whatever Works

2010-02-05T22:55:00.002Z

Finalmente!
Depois de recuos e algum desespero, depois de uma quase visualização menos própria, eis que chegou o dia de ver, no sítio adequado, o aguardado trabalho que juntou dois grandes nomes da escrita contemporânea.
Sim, eu sei, Larry David "apenas" representou e não teve qualquer influência no argumento. Sim, eu sei, o argumento já estava na gaveta de Woody Allen desde os anos 70.
Sim, nós sabemos, qualquer que seja o trabalho em que Woody Allen se mete... it works.

Ora bem, que dizer deste Whatever Works?
Algo como "quando o génio de Woody encontrou Curb Your Enthusiasm" seria pouco. Não seria desmerecedor da obra e até será uma boa síntese para quem está sem saber o que esperar, no entanto, e como era secreta esperança minha, é muito mais do que isso. É muito mais do que "piloto automático" entre dois casos de sucesso e é muito mais do que a soma de duas óptimas partes.

É Allen de regresso à sua New York, ao seu habitat. É o génio de regresso a casa, ao ponto de partida, com um argumento genial, e não por acaso escrito nos 70 perto de obras ímpares como Annie Hall, e com interpretações e diálogos deliciosos.

E sempre que pensarmos que só Woody Allen sabe "fazer" de si próprio, olharemos para este Boris de Larry David e diremos "olha que não...".

De Larry David, e embora apenas casual espectador de Curb Your Enthusiasm, só se pode dizer bem, mais que não seja por ter a sua assinatura ao lado de algo tão imensamente genial como Seinfeld. E se o seu talento para a escrita já é do domínio público, o seu Boris, que hoje conheci, entra directamente, ali ao lado do recente Hans Landa de Tarantino, para a galeria de personagens mais notáveis que os últimos anos do cinema conheceram.

Tentando enquadrar o filme numa qualquer categoria reconheço, com satisfação, que o mesmo só encontra enquadramento num género. No género "Woody Allen".

E no final, quando Boris nos revela toda a verdade, constatamos o óbvio:
Everything Woody Allen does, works!

PS - Se notarem extrema desarticulação no decurso do texto não liguem. Além de ser habitual, o som do magnífico álbum Saturday, da melhor banda do mundo, tolhe o raciocínio mesmo do mais compenetrado. Que não é o caso...

The Hurt Locker

2010-01-28T23:40:00.003Z

A Guerra é uma droga.
Este é o conceito a que somos apresentados logo no começo desta jornada.

Uma jornada quase documental que retrata, com um realismo atroz, tudo aquilo que nos chega diariamente via TV.

Está lá o horror da guerra, a intolerância da guerra e o medo da guerra. Está lá tudo o que já vimos, com uma excepção: estão lá heróis de guerra. Não aqueles heróis que combatem na frente de batalha e que não raras vezes são mais criminosos do que heróis mas sim aqueles, mais desconhecidos, que exercem uma função nobre na garantia da manutenção da paz num território.
O território é o Iraque, com tudo o que isso implica, e a função deste nosso homem de guerra é, simbolicamente, desarmar bombas prestes a explodir.

E é a vida dele, e de quem o acompanha, que Kathryn Bigelow (realizadora do mítico Point Break) filma de um modo diferente, de câmara ao ombro, na busca de sensações que raramente vemos num filme deste género.
Num mundo dominado pelos homens é singular que tenha sido uma mulher a fazer um filme de guerra que vai muito além do habitual thriller.

Dotado de uma fotografia que traduz bem o que é o cenário de guerra; de um elenco que compõe, com "os defeitos" próprios de um militar, personagens verosímeis, The Hurt Locker brilha por conseguir aliar a isso um argumento (Mark Boal) que apesar de simples é demonstrativo da droga que a guerra é.

Nos mais diversos sentidos...

Up In The Air

2010-01-22T23:07:00.003Z

Jason Reitman continua o seu caminho. Depois de Juno o realismo social está mais uma vez à nossa espera numa sala de cinema.

Up In The Air é mais um retrato, magnificamente bem realizado, das relações interpessoais, dos dramas do desemprego e da solidão.
É um filme sobre mochilas, sobre co-pilotos, sobre mudanças e sobre certezas.

Tal como em Juno também aqui Reitman opta pelo diferente, pela abordagem não cliché, de temas tão sensíveis como a nossa capacidade de mudar e de escolher.
Apoiado num leque de actores que faz da simplicidade e contenção a sua arma, Reitman consegue dar a uma história simples toda a amplitude que os temas nela abordados merecem.

Com extremo bom gosto na montagem e deliciosos pormenores ao nível da banda sonora (para aqueles que saem quando os créditos rolam, pode ser que percam algo...), Up In The Air vive, muito e bem, de Clooney.
Clooney vive no ar, literalmente, e é a sua pouca apetência pelos "pés assentes no chão" que o fará questionar as suas escolhas e ser visto como diferente, mesmo entre iguais.

Em Up foi-nos dito que para voar às vezes temos que largar algum peso que carregamos, aqui, Clooney tenta um caminho semelhante, questionando o porquê de trazermos tanto peso connosco. Para ele quem vive com muito peso anda devagar, e quem anda devagar vive pouco. Mas ele vive no ar. O que sabe ele de andar com os pés no chão?

São estes momentos de confrontação filosófica que fazem de Up In The Air um filme diferente. Estes e também os relatos (alguns verídicos) de gente que perdeu o emprego e tem que começar de novo. Em terra.

Numa época de filmes tecnicamente poderosos, e para mim nada apelativos, é reconfortante saber que ainda existem cineastas que se preocupam com o essencial: contar uma história real.
Mesmo que se passe no ar...

Where The Wild Things Are

2010-01-15T22:45:00.000Z

O trailer, magnífico, não lhe faz justiça.
A interpretação de cada um, livre como só um filme assim permite, será o juiz.

Numa mistura de O Principezinho com Os Marretas, Where The Wild Things Are é uma fábula obrigatória para toda a família. Está lá tudo o que precisamos de saber sobre nós e sobre os outros.

Na memória, além da beleza de todo o conjunto, fica a certeza que todos os monstros têm um fundamento e uma função. Todos temos que crescer com eles, e só com eles aprenderemos a ser melhores.

No final, quando recolhemos ao aconchego de um abraço, nada mais fazemos do que tentar ver nele as palavras que escutamos antes:

"Will you keep out all the sadness?"

Das Weisse Band

2010-01-15T01:04:00.000Z

O desconhecimento tem as suas vantagens, já se sabe. A maior delas, diz-se, é a falta de argumentos na por vezes inócua tarefa das comparações.
É essa a minha vantagem, ou era pelo menos, relativamente a Haneke. Nada dele tinha visto, pouco dele sabia.
Trazia o selo Palme d'Or Cannes 2009 e isso costuma ser bom sinal. Não garante nada, claro está, mas aconchega o espírito na hora da escolha.

Sentado, imóvel, tentei absorver o muito que as magníficas imagens ilustradas transmitiam. Um preto e branco austero, a marcar a barreira que o espectador sente.

É difícil (ou talvez não seja mas dá-me jeito agora alargar ao todo esta minha limitação) descrever o turbilhão de sensações que experimentamos enquanto a, inicialmente, pequena onda que nos é mostrada se transforma, num piscar de olhos, num tsunami de larga escala. De repente já estamos absorvidos.

Sentimos as raízes, de algo que um dia será História, a ganhar força. Vemos os "porquês", ou os "talvez" e ficamos a perceber os "ninguém fez nada".
O realismo é tremendo, a credibilidade não se discute: o pré 1ª Guerra Mundial era isto.
Um mundo rígido, sádico até, que não poupa ninguém. Muito menos o espectador.

A violência, não física, é o mote.
A pureza é a ironia.

The Road

2010-01-09T00:40:00.002Z

Aqui está a estrada e a viagem que queremos evitar.
A sobrevivência.
Dura, difícil, sem esperança.

Cormac McCarthy escreveu The Road, que não li, e o sucesso foi imediato. John Hillcoat pegou na obra e juntamente com Joe Penhall adaptou-a ao cinema.
Tiveram dúvidas se a obra faria justiça ao livro e pediram a opinião de McCarthy. Assim que a tiveram, sentiram-se mais leves e olharam o futuro de outra forma.
No filme, tudo isto se passa. Há o medo, a angústia, a falta de esperança e por fim alguma luz. A luz do fogo.

A estrada é sinuosa, longa e nem sempre o mar é o destino que esperamos.
Na bagagem segue a coragem, a determinação e o amor que une um pai e um filho.

As paisagens são inóspitas, o Apocalipse passou por aqui.
A fotografia é dura e cinzenta. Agreste como nos melhores sonhos. Sim, porque quando sonhamos com coisas boas é porque deixamos de lutar, não é?

Uma pistola e duas balas, um homem e um filho. Perdidos. Sozinhos.
O amor. É isto.

Viggo Mortensen é o homem, Kodi Smit-McPhee é o rapaz.
Charlize Theron é a mulher, Robert Duvall é o homem velho.
Guy Pearce carrega o fogo.
John Hillcoat arriscou, Penhall deu-lhe a mão.
Nick Cave e Warren Ellis são a alma.
Todos tentam estar no lado bom.

E a estrada é o caminho...

It Might Get Loud

2010-01-04T21:36:00.000Z

Um instrumento.
Três gerações.
Histórias.
Momentos.
Passados.
Futuros.

Presente.
Aqui.
Agora.

It might get loud!

TOP 2009

2009-12-31T19:25:00.004Z

Como é tradição, final de ano é tempo de balanço. Neste caso balanço cinematográfico.
Este é um Top de filmes estreados nas salas portuguesas em 2009, o que exclui, desde logo , alguns títulos que, ou só estreiam em 2010 ou que ainda não se sabe se estreiam...

Mais uma vez, a exemplo do ano passado, um Top de 10 filmes deixaria de fora alguns dos filmes que considero essenciais neste 2009, assim, aqui fica o meu Top 15 de 2009:

15 - Vicky Cristina Barcelona
Divagação menor de Allen, disseram.

Para mim foi mais um óptimo Allen, que nos mostrou Barcelona depois de Londres. Antes de voltar a New York (estreia dia 4 de Fevereiro, parece...), Allen tirou o melhor partido de dois dos mais talentosos actores da vizinha Espanha.

14- Frost / Nixon

Revisitação de um momento marcante da história americana recente.
Um filme de actores, com uma mestria de realização de um improvável Ron Howard.
Frank Langella vale, por si só, a visualização.

13- Doubt

Transposição para a tela da peça teatral de John Patrick Shanley, Doubt confirma toda a categoria de Meryl Streep e, acima de todos, de Philip Seymour Hoffman.
Doubt não nos deixa dúvidas sobre o que de melhor o cinema tem: os actores.

12- The Reader

O holocausto visto por uma perspectiva raramente abordada. A verdade tem sempre várias nuances.
Kate Winslet, no menos bom dos seus dois filmes de 2009, levou a merecida estatueta para casa.

11- Che

Um ícone. Um mito.
Aqui, na pele de uma actor camaleão que enche o ecrã com a sua presença.
Che merecia um filme assim. Soderbergh já nos devia um filme assim.

10- The Curious Case of Benjamin Button
A fábula do tempo pelas mãos meticulosas de Fincher.
O que fazemos com o nosso tempo? Seremos nós merecedores de todo o tempo que nos é dado?
Um clássico para o futuro.

9- Aruitemo Aruitemo

Kore-eda conquista desde o primeiro plano.
A história de uma família normal contada no decurso de um dia especial. O Japão e as suas paisagens, os homens e os seus erros.
Ah e o poster! O melhor de 2009.

8- Changeling

Clint Eastwood e a luta do bem contra o mal.
Num filme onde tudo assenta na perfeição, Angelina Jolie tem a actuação de uma vida.
Poesia no ecrã.

7- Milk

Mais um magnífico filme de Van Sant (conseguirá fazer um mau filme?) em que a novidade é que quem mais brilha não é ele.
Sean Penn, ou melhor dizendo Harvey Milk, esmaga pela sua autenticidade.
Uma luta. Uma lição.

6- Gran Torino

Na sua última aparição no ecrã (será?) Clint despede-se da melhor forma.
Assustadoramente real, Eastwood reflecte sobre os traumas da vida, num mundo cada vez mais diferente.
O seu último plano fica para a história.

5- Un Prophète

O Entre Les Murs deste ano vem também de França.
Enquanto não chega o novo de Michael Haneke, Un Prophète é, sem sombra de dúvidas, o meu candidato número um ao Óscar de melhor filme estrangeiro do ano.

Intenso, poético, arrebatador. Numa palavra, brilhante.

4- Synecdoche, New York

Incompreendido por muitos, o primeiro trabalho de Kaufman atrás da câmara é notável.
Um palco, Philip Seymour Hoffman e nós.
Ali estamos todos.
Perfeito.

3- The Wrestler

Eis o Jake La Motta do séc. XXI.
A ressurreição de um actor pelas mãos de um génio do cinema actual.
Um filme poderoso, honesto e cru.
E tem o Boss.

2- Inglourious Basterds

Nas palavras do criador é a sua Masterpiece.
A palavra dele sempre valeu muito.

GENIAL!

1- Revolutionary Road

Onze meses e dezenas de filmes depois o topo permanece inalterável. Resistiu a tudo, a todos os ataques (ah e como foram de qualidade), e sobreviveu.
Pela sua superior qualidade.
Porque filmes assim são raros. Porque tocam. Porque deixam marcas.

Bom 2010!

Un Prophète

2009-12-31T18:04:00.000Z

E a história repete-se.
Tal e qual.

Há um ano, nesta mesma altura, e quando o balanço cinematográfico de 2008 estava feito, surgiu Entre Les Murs a agitar as certezas.
Hoje, a França multi-cultural volta a fazer das suas. Ainda com muros, sempre com a escola como tema. A escola da vida.

Jacques Audiard, depois do magnífico De Battre Mom Coeur s'est Arrêté, volta a conseguir tocar o espectador.
Igualmente audaz na abordagem, é, creio, um realizador mais maduro aquele que se nos depara. Ver Un Prophète é uma viagem magnífica que nos consome mais do que os curtos 150 min de película.
É sentir a música belíssima de Alexandre Desplat, a fotografia assombrosa de Stéphane Fontaine, a crueza dos diálogos, a coesão do argumento, a magia das interpretações e é, mais que tudo, ver cinema. Daquele raro nos nossos dias.

E é assim com chave de ouro, e com uma vénia a Tahar Rahim e a Niels Arestrup, que 2009 termina.
Termina com a música de Desplat a ecoar, com as imagens de Audiard na mente e com a certeza de que o cinema ficou mais rico com Un Prophète.

As palavras são curtas para não estragar aquele que é, já hoje, um clássico do cinema.

Esmagador!

Feliz Natal!

2009-12-24T12:01:00.000Z

High Fidelity

2009-12-10T23:41:00.000Z

Numa altura em que este espaço mais parece um local de exposição musical, convém voltar ao essencial e falar de cinema.
Portanto, vamos lá falar de um filme, antigo q.b., que tem como âncora a...música.

High Fidelity é um filme que me acompanha há muitos anos (penso até que foi um dos primeiros, senão mesmo o primeiro, dvd que adquiri) e, ainda que tardiamente, chegou a hora de o referir.

É um filme que nos coloca perante algumas questões deveras pertinentes.
Não, não vou falar das relações amorosas e das escolhas que fazemos, deixo isso para outra altura e outros filmes. Aqui a questão é outra: como organizar os nossos discos/filmes/livros? Deverá ser por autor, por data, por título ou por uma qualquer lógica interna a que só nós temos acesso? Pertinente, não?

Obviamente que o filme tem outros méritos, ate porque o John Cusack tem vindo sempre a descer e é bom saber que ele sabe representar...
Um desses méritos é a verdadeira aula de música pop com que somos brindados. Há de tudo um pouco mas salta à vista o, digo eu, bom gosto da maioria das escolhas.

Assim à primeira vista é um filme "light", com pouco sumo, mas, no meio do seu espírito divertido e inteligente, sobressai uma mensagem que poucos filmes do género conseguem alcançar.

Talvez seja da presença de Jack Black, da aparição do Boss (que, nos últimos tempos, incessantemente ecoa pelos meus ouvidos ao som deste tema), do cenário da loja de discos, do olhar de John Cusack ou de toda essa mistura, não sei.
O que sei é que este é um dos melodramas mais bem feitos a que assisti.

Num filme carregado de Top's 5, a minha avaliação é outra:
Cinco estrelas!

Blur - No Distance Left To Run

2009-12-02T22:41:00.002Z

A partir de Janeiro, espero, num cinema perto de si.

PS- Não, não vou passar a fazer promoções a trailers que não inspirem confiança.

Classic Stuff

2009-11-27T23:34:00.006Z

- The Circle

This is how it feels to be lonely.
This is how it feels to be small.
This is how it feels when the world means nothing at all.

- Robin Hood

When your life is a mess light one more cigarette
It's so logical.
(...)
And when nightmares come
I will try to be fun, even though
I'm so scared you know.

Moon

2009-11-20T23:59:00.000Z

Confesso que a ficção científica não me fascina. Posso mesmo afirmar, com relativa segurança, que tirando Star Wars (nos seus primórdios) nunca tive muita curiosidade pelo género.

Mas, e há sempre um mas, movido pelas criticas que li (aqui, aqui e aqui) dei por mim com muita curiosidade em relação a este Moon. Ainda para mais quando do elenco fazia parte Sam Rockwell (actor que sempre me caiu bem), tendo ainda a participação (voz) de Kevin Spacey.
Pouco sabia sobre o filme, ignorava até que o realizador, Duncan Jones, era filho de David Bowie, e também desconhecia que o magnífico Clint Mansell (habitual colaborador de Aronofsky) emprestava o seu talento na banda sonora.

Foi assim, com algum cepticismo pelo género da obra mas igualmente reconfortado pelas boas referências que trazia, que entrei no cinema (no único em que está em exibição no Porto...). E não me arrependo.

Sim, Moon é ficção científica, não há como o negar. No entanto, é, julgo eu que não conheço bem o género, outro campeonato.
É filosófico, introspectivo, poético e, acima de tudo, é bem feito. Sem grandes artifícios visuais, com uma música fenomenal de Mansell (com destaque para a belíssima Memories) e com um extraordinário Sam Rockwell, num verdadeiro tour de force digno de realce.

Em Moon tudo é temporário, tudo é frágil.
É o futuro moldado ao nosso presente.
É a solidão, a incerteza e a fragilidade humana.
É simples, sombrio e arrebatador.
É diferente.

É cinema!

(500) Days of Summer

2009-11-18T23:32:00.002Z

É oficial.
O Juno deste ano não chegou até nós.
O que se compreende. Há que dar lugar aos filmes que merecem e se o Whatever Works não estreia (e sim, está ali numa pasta à espera que ganhe coragem para cometer o crime...) porque raios haveria de estrear aquela que, tudo indica, é apenas mais uma comédia romântica? Sim, mais uma dessa praga que nos assola ano após ano.

Fizeram bem, os senhores que tomaram a decisão, assim evita-se um culto desnecessário e uma massificação do gosto popular. Eu, pela minha parte, fico feliz. Posso sempre dizer que gostei muito de um filme "tão mau que nem estreou cá"... E isso, parecendo que não, dá um ar de marginalização a que estou habituado.
Afinal, quem gosta/conhece Ocean Colour Scene?

Pode um filme valer por um somatório de cenas? Pode um filme valer por um conjunto de músicas? Pode um filme condensar tudo aquilo que o mundo conhece numa simples história? Pode um filme ser tão bem filmado e com um argumento tão inteligente que nos deixa com aquela sensação de "fogo, que domínio!"?

Pode um filme pecar no seu final, quando parecia que ia pelo bom caminho, e mesmo assim não conseguirmos falar mal dele? Pode um filme ter um narrador e não ganhar com isso?

E será que a diferença "realidade/expectativa" alguma vez foi mostrada assim, como deve ser? Será que a música "Us" de Regina Spektor foi escrita antes do filme já a pensar nele, assim como que por magia? E será que os senhores do Ikea estão preparados para o que vem aí?

Será que eu estou afectado por todo este hype à volta do filme e estou a ver mal? Será verdade que a LA de Marc Webb me faz lembrar a Manhattan de Woody Allen? Estaremos, no futuro, perante um Annie Hall dos nossos dias?

Será que as almas gémeas não existem mesmo? Que o acaso não faz parte da ementa?
E é mesmo verdade que depois do Verão aparece sempre o Outono? Não estarão as alterações climáticas a estragar a lógica?

Não sei. Veremos...

Almost Famous

2009-11-17T22:30:00.002Z

Do já longínquo ano de 2000 recupero hoje um filme a que, no devido tempo, não dei o valor adequado.
Revi-o recentemente e, sem surpresa, constatei que é um filme "do caraças". Assim mesmo, do caraças.

Estamos nos anos 70 e, como diz uma personagem, "it's all happening". Não temos dúvidas disso. Cameron Crowe faz o suficiente para que não nos esqueçamos.
Simples, auto-biográfico até, Almost Famous são os 70's pelos olhos de quem os viveu. Cheios de cor, mudanças, dúvidas e, claro, música.

Crowe consegue, com um argumento aparentemente simples, transmitir tudo aquilo a que se propõe, dando aos seus personagens, a todos sem excepção, todo o tempo que necessitam para que os compreendamos. E como os compreendemos.
Obviamente que o trabalho de direcção de actores é muito competente, com destaque para Patrick Fugit, mas são os veteranos, ou pensando bem nem tão veteranos assim, quem domina o ecrã.
Kate Hudson no seu melhor (único...) papel de sempre; Frances MacDormand austera e calorosa na mesma medida e um espantoso (surpreende?) secundário que só poderia pertencer ao magnífico Philip Seymour Hoffman. A todos eles Almost Famous tem que agradecer.

Composto por várias camadas, que vamos descobrindo enquanto acompanhamos a ascensão do personagem principal, Almost Famous caminha, sempre, ao lado da música. Música essa que, nos 70's ou hoje, é fonte inesgotável de vida. E é sempre bom celebrar a vida.

E é quando vemos filmes assim que ousamos imaginar o que seria de nós sem música. E depois, quando tentamos explicar porque é a música tão importante na nossa vida e do que é que mais gostamos nela, recordamos Almost Famous e citamos:

"- What do you like more about music?
- Everything!"

Dare Mo Shiranai

2009-11-06T23:09:00.000Z

E se, de repente...

Os adultos fossem crianças. Inseguros, egoístas e irresponsáveis.
E as crianças fossem adultos. Sem infância, genuínos, honrados e responsáveis.
Como seria?
Nobody knows...

E se, por artes mágicas, o optimismo palpável em cada criança se desvanecesse porque a vida a isso os obrigou.
Como seria?
E se fosses tu?
Nobody knows...

E se o teu sonho fosse ver um avião e ter amigos para brincar. Se o teu sonho fosse ver uma planta crescer, num local onde só os sonhos não morrem, como seria?
Nobody knows...

E se Kore-eda não existisse e se não nos tivesse dado esta (e outras) pérola? Se aquela capacidade de transformar o triste em belo não existisse, como seria?
Nodoby knows...

Se o Japão não fosse o país ambíguo que cada vez mais parece ser e se a metrópole fascinante não escondesse o que parece esconder, como seria?
Nobody knows.

Se o Akira, a Kyoko, o Shigeru e a Yuki não fossem só imaginação, como seria?
...

Mas o Akira, a Kyoko, o Shigeru e a Yuki existiram mesmo. Com outros nomes. Noutro tempo. Não tão distante assim.
E o que mudou?

Ninguém sabe.

Amazing Grace: Jeff Buckley

2009-10-29T23:33:00.001Z

Em 2004 Laurie Trombley e Nyla Bialek Adams decidiram fazer algo que a todos nós já nos passou pela cabeça: homenagear Jeff Buckley.

Para atingir tal pretensão resolveram realizar um documentário sobre não tanto a vida de Jeff Buckley mas, mais importante ainda, sobre a sua influência, a sua marca e o que mudou com a sua música.
Num registo curto, 60 min, somos brindados com imagens inéditas de bastidores, de estados de alma, mescladas com depoimentos de companheiros de palco, amigos, familiares e, mais importante, depoimentos nossos: dos admiradores.

Confesso que não tinha conhecimento da existência deste documentário, o que se compreende pois a sua edição em DVD só agora aconteceu.
Chegou-me como uma das três partes que compõe a magnífica edição comemorativa do 15º aniversário de "Grace": Jeff Buckley - Grace Around The World.

Nesta obrigatória obra, temos um DVD composto por actuações inéditas de Buckley, recriando o alinhamento de "Grace", pontuada com entrevistas do próprio nos anos de 94/95; temos também um CD áudio dessas mesmas actuações, e, finalmente, a edição do documentário que aqui me trouxe.

É, obviamente, uma obra que só pode agradar a quem conhece a genialidade de Jeff Buckley.

Porque, como bem nos lembra o músico:
"Grace is what matters. In anything. Especially life.
It sort of keeps you alive..."

Aruitemo Aruitemo

2009-10-17T11:59:00.005+01:00

Hirokazu Kore-eda é alguém que desconhecia.
Não sabia nada sobre a sua obra mas, mal li as primeiras críticas a este Aruitemo Aruitemo (Still Walking, título internacional) fiquei a querer conhecer.
Infelizmente o seu último filme só estreou na capital do país e, assim sendo, nenhum constrangimento moral imperou na hora de o ver a partir de outros meios.
Adiante.

A acção localiza-se no Japão e, no entanto, poderia ser aqui ao lado. Cá dentro.

É a história de uma família, um estudo de personagens diria eu, que se reúne num esporádico encontro familiar.
É a história de um drama que está sempre lá, mesmo quando cantam.
É a história dos encontros à mesa, com conversa que tememos não conseguir absorver na plenitude. É a história dos costumes. Iguais em todo o mundo.

É a história dos medos, dos desafios e dos traumas.
É a história das paisagens japonesas, do seu encanto e da sua cor. E das suas flores.
É a história das pessoas. Nem boas nem más. Pessoas.
É uma história verídica. Pelo menos só vemos ali autenticidade. Andando.

É o mundo que Kore-eda nos quis mostrar.
E é perfeito!

Los Abrazos Rotos

2009-10-15T22:43:00.004+01:00

Poderia continuar a falar de Synecdoche, New York sem me cansar.
Falaria do que a 4ª visualização permitiu conhecer, dos detalhes que a 5ª deixou, e do mundo sensorial que todas as que se seguirem me irão transmitir.
Poderia. Mas depois perdia a piada e tornava-se monótono estar sempre a falar do mesmo filme, ainda que a cada nova visualização um novo filme pareça nascer.

Assim sendo, e para que o mundo sensorial não desapareça da agenda, trago (tardiamente) a minha impressão sobre o novo filme desse ícone sensorial que é Pedro Almodóvar.

Sou parcial quando toca a Almodóvar. E não o nego.
Hable con Ella habita o restrito lote dos filmes de uma vida e toda a sua recente filmografia consegue ser um misto de "mais do mesmo" com uma permanente exclamação de admiração. E essa capacidade de se reinventar sem sair do seu mundo é, convenhamos, fascinante.

Em Los Abrazos Rotos Almodóvar não inventa a roda. Que fique claro.
É, a maioria assim o diz, um Almodóvar menor, a perder fôlego, e alguns, muitos, começam já a interrogar-se se não será o princípio do fim.
Não me parece.
Há em Los Abrazos Rotos muito do que faz de Almodóvar o que é hoje. O seu toque é detectável. Mesmo de olhos fechados.
A cor está toda lá.
A história, umas melhores outras piores, nunca me pareceu ser o essencial de Almodóvar. E mais uma vez se confirma.

O seu maior mérito, julgo, é o de fazer de uma banal história uma experiência cinematográfica invulgar. Seja pelo tom; seja pela cor; seja pelos magníficos diálogos (e temos aqui grandes pérolas); seja pela espantosa capacidade de dirigir actores ou, e é essa a grande marca na maioria dos casos, pela emoção que cada take representa.

Para essa marca indelével muito contribuem os actores, que Almodóvar escolhe como poucos, que crescem sob o seu comando.
Se Penélope Cruz é a actriz que todos conhecem em boa medida a Almodóvar o deve. E aqui presenteia-nos com mais uma interpretação de óptimo nível.
Do restante elenco é Lluis Homar quem leva a nota máxima, seguido de muito perto de Carmen Machi (de quem aproveito para aconselhar essa fabulosa curta metragem de nome La Concejala Antropófaga).
E Lanzarote. Como nunca se viu.

Poder-se-á dizer que esta é uma história menor e que Almodóvar ligou o piloto automático. Haverá quem o faça.
No entanto, na memória, o que ficará é mais uma fantástica partitura sensorial saída da mente do genial autor espanhol.

Com os olhos bem abertos...

Synecdoche, New York

2009-10-10T15:32:00.003+01:00

"Eu acho que vi uma obra-prima.
Acho.

Vou confirmar."
09-10-2009

Wow!

Continuo a achar que vi uma obra-prima. O segundo visionamento não alterou essa convicção.
Não me peçam para explicar o que vi. Não sei bem.
Ou melhor dizendo, acho que sei mas só na 5ª ou 6ª vez que vir o filme conseguirei assimilar tudo aquilo que penso ter visto e poderei, então, escrever algo com coerência.
Ou nem aí...

A vida é um palco e todos nós somos actores. Principais.
Uns precisam de um bom director para saber qual o caminho que devem seguir, outros limitam-se a aceitar o destino. Mesmo que isso seja viver numa casa a arder...
Uns arrependem-se do que não fizeram, outros apenas não fizeram.

Charlie Kaufman é assim, desconcertante. Dá-nos uma história, "bigger than life", e deixa ao nosso critério o julgamento que dela fazemos.
Já o tinha feito em "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" ou em "Adaptation" mas sem atingir este brilhantismo.
Talvez decorra do facto de ser ele o realizador, pela primeira vez, ou, mais certo, talvez seja pela presença de Seymour Hoffman, o melhor actor americano do momento (e não se discute).

Muitos irão vê-lo como um filme pretensioso, outros como o enésimo devaneio da mente criativa de Kaufman. Não faz mal.
Eu, pelo menos, irei vê-lo como uma das mais belas formas de analisar a natureza humana. Aquele que nos define como actores deste palco chamado vida.
Onde cometemos erros, montes deles; somos complicados, porque sim; não damos valor às coisas pequenas, porque tudo tem que ser "em grande"; e onde não percebemos que em cada final nasce um princípio e em cada princípio há um final que nos espera.

Synecdoche, New York é a minha vida, a tua, a tua e a tua. À superfície pode não parecer mas, lá no fundo, ainda que alguns tenham que ir mesmo ao fundo, está lá tudo.

Porque, afinal, nós somos todos iguais.
Somos todos actores principais.

"What was once before you - an exciting, mysterious future - is now behind you. Lived; understood; disappointing. You realize you are not special. You have struggled into existence, and are now slipping silently out of it. This is everyones experience. Every single one. The specifics hardly matter. Everyone is everyone. (...) All her meager sadnesses are yours; all her loneliness; the gray, straw-like hair; her red raw hands. Its yours. It is time for you to understand this.
Walk.
As the people who adore you stop adoring you; as they die; as they move on; as you shed them; as you shed your beauty; your youth; as the world forgets you; as you recognize your transience; as you begin to lose your characteristics one by one; as you learn there is no-one watching you, and there never was, you think only about driving - not coming from any place; not arriving any place. Just driving, counting off time. Now you are here. Now you are here. Now you are...

Gone."

Standing ovation, please!

Entre os Dedos

2009-10-06T23:41:00.000+01:00

A vida sem cores. Real.
A fugir. Entre os dedos.

Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
A realidade está aqui, crua, directa.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Temos actores. A representar.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Corajoso e audacioso. Sem rodeios.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Com silêncios. Pretos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Segue um caminho. Sem atalhos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Fala da morte. Analisa a vida.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Tem um Paulo e uma Lúcia. Com espelhos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Com música minimalista. Porque a vida, às vezes, é assim.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
É a vida sem cor. A fugir.

Entre os dedos...

The Insider

2009-10-05T23:58:00.003+01:00

A filmografia de Michael Mann é de todos conhecida.
Goste-se mais ou menos do seu género, a verdade é que ele tem uma marca própria.
Eu, confesso, nutro um sentimento misto por algumas das suas películas. Tanto sou capaz de as considerar perto das obras-primas (Heat acima de todos) como me passam completamente ao lado (Miami Vice e Ali), no entanto, para aquilatar da veracidade deste sentimento um longo caminho ainda me espera: conhecer toda a sua obra.
Assim sendo, um novo passo foi dado com a visualização deste The Insider.

E que belo passo foi este.
Não, não supera Heat (embora esteja lá muito perto), nem era disso que se tratava, presumo eu, quando Mann embarcou na aventura de realizar The Insider.
Sob a capa do comum filme denúncia (baseado em factos reais), The Insider vai muito além dessa meta.
Aqui a componente descritiva assume particular importância. Os personagens são exaustivamente descritos, é típico de Mann esta obsessão pelo conhecimento que o espectador deve ter dos seus protagonistas, e o local da acção, à medida que o filme se desenrola, faz cada vez mais parte do nosso dia-a-dia. A fotografia, outro dos habituais trunfos de Mann, está mais uma vez brilhante, com planos do mais belo que o realizador já nos ofereceu.

E, claro, falta referir os actores que dão a todo este prodigioso trabalho um tom mais afectivo. De Al Pacino nada mais há para referir. A excelência é o domínio em que se move (salvo raríssimas excepções). A surpresa, e digo-o pois Crowe não é um daqueles actores que repute de um nível muito alto, é mesmo Russell Crowe com uma composição tão contida e poderosa que só de ver arrepia.
Não existisse American Beauty e Kevin Spacey e o Óscar teria sido de Crowe. Sem favor.
Uma última nota, no capítulo da representação, para o fantástico desempenho de Christopher Plummer, um secundário de grande classe.

Servido por uma banda sonora que fica no ouvido, The Insider é um filme relativamente antigo (desse ano mágico que foi 1999) que, nem que seja agora tardiamente, vale a pena descobrir.

Porque, é caso para o dizer, Michael Mann does it again!

Six Feet Under V.2

2009-10-03T00:35:00.005+01:00

Passei por aqui só para dizer isto:

I miss the Fisher's!

PS- O que vale são os Dvd's...

Okuribito

2009-09-30T00:10:00.001+01:00

É inevitável.
A lembrança de Six Feet Under vem à memória. E que bom é recordar Six Feet Under!

Não, não temos os dramas da família Fisher, nem tão pouco a mestria de Alan Ball na difícil tarefa de nos esmagar com um argumento simplesmente perfeito.
Não temos nada disso.

Mas o que temos, o que sobra, é tão bem feito, que se instala a genuína dúvida se a dupla Takita e Koyama não bebeu do sumo com que Alan Ball nos presenteou no já distante ano de 2001.

Okuribito (cujo título internacional é Departures), vencedor do Óscar de Melhor Filme Estrangeiro relativo a 2008, é uma daquelas pérolas que nos chegam sem aviso (bem, neste caso fui avisado) e que exercem um enorme fascínio logo após os primeiros segundos.
É um filme de uma delicadeza tremenda, com os seus momento de ligeira comédia, e é, sobretudo, um filme que nos faz questionar muita coisa e que nos convoca para a difícil questão de como lidar com a morte.
E fá-lo do modo mais perfeito, falando da vida.

Com um duo de protagonistas para mim desconhecidos, Okuribito é, também, um filme de personagens. Do jovem aprendiz (Masahiro Motoki) e com um passado traumático, ao velho sábio (Tsutomu Yamazaki) que o guia pelos labirintos da vida, temos de tudo um pouco.
E ambos excelentes e poderosos, principalmente Yamazaki que é, quanto a mim, a maior estrela do filme.

E depois, se o argumento não bastasse ou se a deslumbrante fotografia não nos esmagasse, temos a música, as belíssimas canções que compõe o puzzle perfeito, que nos faz acreditar que pouco poderia ser melhorado.

Vencedor de um Óscar, já o disse, não sei se bem ou mal (Entre Les Murs continua a ser a minha preferência), Okuribito é, não se pode negar, um filme diferente, inspirador e que merece, mesmo dos mais avessos a essas coisas, a ilegalidade de o visualizar.

Mais que não seja para que no final lhe digam sem hesitar:
ありがとう !

Touching the Void

2009-09-25T23:53:00.001+01:00

Continuando na linha dos documentários, e seguindo mais uma belíssima sugestão da Anita, é chegado o momento de dar a conhecer Touching the Void a quem visita o estaminé.

Touching the Void, realizado por Kevin Macdonald, é baseado no livro homónimo, escrito por Joe Simpson em 1988, que narra a trágica situação vivida por Simpson e o seu companheiro de aventura Simon Yates, aquando de uma expedição ao Perú para explorar a montanha Siula Grande em 1985.

Simpson e Yates, dois jovens montanhistas na altura dos factos, acalentavam o sonho de atingir o cume da Siula Grande, algo que nunca antes havia sido conseguido com êxito. Para tal, muniram-se do que consideraram o equipamento necessário e, cheios de confiança, começaram a subir.
Ao cume chegaram, com relativa facilidade, no entanto, para a História, não foi a subida que ficou marcada mas sim a descida e tudo o que ela originou.

Esta é uma história extraordinária, que narra o feito inacreditável de um homem (Simpson) da mesma forma que tenta compreender as acções, muito criticadas na época por toda a comunidade montanhista, de Yates.

Sem querer estragar a surpresa de quem ainda não conhece a história (como era o meu caso), digo apenas que existe, nesta situação dramática, um momento crítico em que Yates tenta ser o mais racional possível, sacrificando, quem sabe, toda a sua vida futura em função dos demónios interiores que daí poderiam advir.

Simpson compreendeu-o e nós, assistindo a esta reconstrução no conforto do sofá, somos levados a concordar com ele.
Essa, e outras situações, fazem com que no decurso desta história uma recorrente dúvida nos assalte: "seria eu capaz de fazer o mesmo?".
E não respondemos. Porque temos medo de dizer que não...

E valorizamos ainda mais o que estes dois homens conseguiram.

Para reconstruir esta soberba lição de vida, Macdonald usa dois actores que dão corpo aos protagonistas, mesclando a acção com momentos de reconstrução (filmados de modo exímio e que nos soltam exclamações sucessivas...) e com momentos de entrevista aos dois protagonistas.
E é nesses momentos de entrevista, mais de 15 anos depois dos factos terem ocorrido, que sentimos, na fala, no olhar e na expressão, que tudo aquilo ainda lá está, nos seus pensamentos, e que a vida deles nunca mais foi a mesma.

Mesmo sabendo das desavenças que a realização do filme causou na relação entre a dupla de montanhistas e Macdonald (divergências sérias, segundo consta), somos levados a agradecer a Kevin Macdonald, e a toda a sua equipa de produção, por nos ter dado a possibilidade de assistir a esta magnífica lição de vida.

Arrebatador!

Nuovo Cinema Paradiso

2009-09-24T23:57:00.001+01:00

Há filmes assim, que se definem numa palavra e em que escrever mais é estragar.

Masterpiece!

Joy Division

2009-09-23T23:50:00.003+01:00

Back to basics.
Mais ou menos...

Tendo assistido ao magnífico filme de Anton Corbijn sobre a vida de Ian Curtis, Control, ficou, desde esse momento, uma vontade de conhecer mais e melhor a história, curta, dessa banda que marcou um tempo.
Assim, foi com naturalidade que cheguei a este documentário, da autoria de Grant Gee (realizador com vários trabalhos na cena musical, nomeadamente com os fantásticos Radiohead), sobre a origem e a curta existência dos Joy Division.

Pensava eu que seria apenas um desfilar de canções, de memórias soltas, de histórias vividas. Enganei-me.
Joy Division é um retrato mais profundo, que abarca a ligação, total, entre a música e a cidade de Manchester.

A música tem, regra geral, uma forte ligação ao local de onde surge. É moldada ao "gosto" das suas gentes, é usada como "arma" política em certas ocasiões e é, muitas vezes, um veículo percursor do desenvolvimento de uma região.
Penso eu.
Mas quem quiser aprofundar esta interessante temática pergunte ao Ramon que é um Mestre destas coisas.
Aqui, neste caso, foi tudo e muito mais que isso.

Foi, como disse, com surpresa que constatei que este documentário (que flui optimamente) tem pouco da música dos Joy Division e muito, mas muito mesmo, de análise a quem conviveu com Ian Curtis e que, fruto da imaturidade da época, não o compreendeu.

Curtis é-nos apresentado como alguém um pouco à frente do seu tempo. Um rebelde incompreendido e que escolheu, para muitos, o caminho mais fácil. Infelizmente.

Algures, perto do final, um dos seus companheiros de banda diz, quando confrontado com o que sentiu aquando da notícia da morte de Ian Curtis, mais ou menos isto:
"I hate him. I fucking hate him! How could he be so idiot and do something like that..."

Agora, cerca de 30 anos depois desse dia, e sabendo um pouco mais do que foram os Joy Division só posso concordar e dizer também:

I fucking hate Ian Curtis!

And Now for Something Completely Different

2009-09-21T19:11:00.002+01:00

Os Srs. Python's que me perdoem o abuso do nome mas hoje deu-me para isto.
Porque sim.

Morir per te
é il mio destino,
Roma la bella Dea
per me ha deciso

Giuro per sempre a te
vivere, morire per te
se tu sarai con me
Dea Roma vincerá

E la victoria sará la mia
Dea Roma vincerá
io vinceró

PS - Eu, em Sevilha, levei com as Ketchup e o seu Asereje...

Aquele Querido Mês de Agosto

2009-09-17T23:49:00.002+01:00

Que maravilha!
Finalmente, sem esquecer os Imortais e Alice (ainda que não a este nível), o cinema português fez sentido.
Finalmente.

Não sei como descrever esta obra, a que assisti com um ano de atraso. Documentário ficcional talvez seja a definição mais apropriada. Mas, deixando de lado os considerandos sobre o género, o que fica é a análise perfeita, de uma singularidade espantosa, aos recantos do Portugal profundo. Um retrato sociológico e antropológico que traduz a essência do país real.

Dividido, se assim o podemos dizer, em duas partes distintas, Aquele Querido Mês de Agosto sobrevive, e com nota elevada, às diferentes camadas que o compõem.
Na primeira fase, um início algo estranho mas a que depressa tomamos o pulso, somos confrontados com o Agosto português. O Agosto das festas, dos bailaricos, dos foguetes, das procissões e dos emigrantes.
Somos inseridos nas vivências de gente comum, igual a todos nós, com as suas histórias e os seus gostos. Somos "iniciados" na cultura da música pimba (ou música ligeira no dizer de um ilustre representante) e somos confrontados com a presença da equipa de realização no próprio filme, dando a todo este projecto uma dimensão criativa cada vez mais notória.

Poderia também abordar a segunda fase do filme, a parte mais ficcional, que vive muito bem com os não-actores e que dá corpo a mais um tema recorrente de Agosto: os amores de Verão.
Poderia, mas de certeza que me perderia em mais elogios...

É tudo tão inteligentemente ligado, tão brilhantemente montado que, quando confrontados com a magnífica cena final, sentimos a genuína dúvida se estamos mesmo perante um filme português.

A forma como a câmara invade a privacidade das pessoas que nos contam as suas histórias, a forma discreta como tudo isto parece ocorrer, merece, pelo menos da minha parte, um aplauso sonoro e a certeza que o nome de Miguel Gomes será seguido com atenção.

Aquele Querido Mês de Agosto é um filme a ver sem preconceitos e sem dar muita importância ao "som fantasma" que, aqui e ali, nos entra pelos ouvidos.

Que maravilha!

Public Enemies

2009-09-16T23:20:00.001+01:00

A decisão não era fácil: assistir, numa das últimas oportunidades, a Public Enemies na grande tela, pese embora todas as críticas negativas que tem recebido; assistir ao novo Almodóvar, sendo um assumido fã; ou rever, como se fosse a primeira vez, os espantosos (sim, Revolutionary Road está tremido no 1º lugar do ano...) Basterds de Tarantino. Difícil escolha, não?
Tentei ser sensato e escolher aquele mais rapidamente sairá de cena. Em boa hora o fiz.

Reconheço que não é a obra maior de Michael Mann, nem Johnny Depp tem aqui a sua melhor interpretação. Poderei até conceder e dizer que Christian Bale está pouco mais que regular mas, e disso não tenho dúvidas, Public Enemies é um grande filme que vive de uma faceta que poucos conseguem ter, a coesão.
Nota-se, para mim que sou um leigo, que a narrativa foi estruturada com rédea curta, que a direcção de actores esteve sempre atenta a impor limites, que a fotografia não se desvia do essencial, o negrume sobressai até no mais luminoso plano, e, acima de tudo, nota-se, logo nos primeiros minutos, que Mann está no seu domínio e que o gere com a mestria que poucos atingem.

É um filme parado acusam alguns, demasiado parado dizem os mais radicais, eu, que gosto de filmes que nos conquistam pelo seu ritmo próprio e não segundo padrões, digo que sim, que é parado. E digo mais, ainda bem.
Filmes com sumo, que se centram mais na análise interior das personagens do que nas suas acções, exigem tempo. Tempo para os conhecermos e para os entendermos.

Se Inglourious Basterds representa a reinvenção do filme de Guerra pela mão de Tarantino, Public Enemies também caminha, embora mais subtilmente, para a reinvenção de outro género: os filmes de gangsters.

Sobre a mestria de Mann, na abordagem a este tipo de filmes (ainda que noutra época) que mesclam a acção com a tensão psicológica, já teci os elogios devidos, faltando-me, no entanto, reforçar a prestação de quem dá corpo ao biografado John Dillinger.
Johnny Depp, e depois de vermos o filme não resta, na nossa cabeça, outra opção, está como sempre. Magistral é o termo correcto.
Enche o ecrã com a subtileza com que o faz num outro qualquer registo, captando o nosso olhar em todas as cenas e pondo a nú toda a versatilidade que lhe reconhecemos.

No lote dos secundários, ainda que não uns secundários vulgares, Bale e Cotillard têm prestações opostas, o que, em certa medida, nasce do carácter completamente diferente que os seus personagens têm.
Se Bale aparece menos fulgurante em relação a trabalhos recentes, fruto, tenho que admitir, de uma direcção de actores rígida, mas ainda assim meritório, Cotillard, por seu turno, surge num patamar tão elevado que, tenho que admitir, não julguei possível quando em cena com Depp.

Mas, lá está, por algum motivo tem um objecto dourado em casa a que Depp ainda não deitou a mão...

Ainda.

Inglourious Basterds

2009-09-11T22:51:00.000+01:00

"Once upon a time, in Knoxville, Tennessee...

A genius was born.
His name is Quentin.
You may have seen his stuff, but nothing like this..."

Pois é.
Podem conhecê-lo, conhecer a obra, os gostos e o traço mas, se pensam que Tarantino é previsível, desenganem-se. Isto é outro campeonato!

Isto é outra coisa. Não é um novo Kill Bill, nem um novo Pulp Fiction. Tem um pouco de ambos, claro, mas no futuro, quando se observar a obra de Tarantino no seu todo, será reconhecido por si. Pelo magnífico filme que é, pela torrente de criatividade que Tarantino tem, pela singularidade do produto (como todos os filmes de Tarantino) e, sejamos justo, pelo magnífico elenco que aqui encontramos.
É tudo tão bem conseguido que me sinto mal em referir o nome daquele que, provavelmente, mais brilha: Christoph Waltz. Todos estão assombrosos, como Tarantino sempre consegue, mas Waltz tem, desde já(com o seu quê de arriscado que isto é), o meu voto para o Óscar de 2009.

Mais do que as palavras a minha recomendação é:
"Ide! Já hoje se possível. Não temam a gripe A nem esperem por vê-lo no ecrã caseiro. Isto exige big screen, e se possível (tentarei) mais do que uma vez".

Mestre na reinvenção dos géneros, Tarantino consegue-o uma vez mais com os seus Inglouriuos Basterds. Um filme que vive da palavra. Aquela a que Tarantino se tem mantido fiel. A sua.

A excelência de Tarantino é de tal ordem que eu não consigo destacar um momento, um capítulo, uma sequência, uma música. Apenas consigo dizer que:

"Once upon a time, in Knoxville, Tennessee...
A genius was born...

He thinks he made his masterpiece.
Well, you know, that's hard to tell....
But he might be correct!"

Two Lovers

2009-08-30T23:47:00.008+01:00

Não, ainda não vi Inglourious Basterds, nem tão pouco venho falar de Public Enemies. O que aqui me traz é um outro filme, que, devo reconhecer, me caiu nas mãos algo a contragosto... Mas, lá está, cinéfilo que se preze vê pelo menos uns minutos até desistir ou, na melhor das hipóteses, fica rendido ao principio da obra e acompanha-a até ao final. Com consequências por vezes nefastas... Não foi o caso, devo assegurar.

Diz quem percebe do assunto, os críticos claro está, que um bom filme deve, acima de tudo, ser equilibrado nos seus vários domínios. Exige-se um argumento sólido, um realizador competente, uma montagem eficaz, uma banda sonora adequada e actores moderados q.b., sem overacting, de modo a não estragar a harmonia do todo construído.
Eu, que de crítico nada tenho, até concordo com grande parte desta "verdade", numa lógica de que o valor do colectivo tem que ser superior à soma das partes (um pouco de futebolês fica sempre bem), mas, e ainda bem, há sempre excepções. Há sempre um filme que vale o bilhete pelo magnífico argumento, outro que apresenta uma realização inovadora e empolgante, outros até que fazem da fotografia o seu trunfo, e alguns, muitos, que vivem apenas dos actores.
Two Lovers poderia ser enquadrado nesta última categoria.

Não que o argumento seja mau (embora o triângulo amoroso seja dos mais batidos clichés do cinema), não que a realização seja má (James Gray não inova mas devo dizer que está aqui melhor do que em We Own The Night), mas são sem dúvida os actores, e em especial esse futuro ex-actor(??) chamado Joaquin Phoenix, quem mais brilha e quem faz com que Two Lovers faça muito sentido.

De Joaquin Phoenix muito tem sido dito nos últimos tempos (aos mais desatentos convido-os a verem esta entrevista) e, asseguram alguns, Two Lovers foi mesmo o seu último trabalho antes de embarcar numa nova identidade e de começar a desbravar outros caminhos. Ou não...
Em Two Lovers ele alcança níveis que só lhe havíamos visto em Walk The Line, num ano em que só um estupendo Seymour Hoffman lhe tirou a estatueta, e conquista-nos desde a primeira cena.

Acompanhado de uma Gwyneth Paltrow como talvez nunca se tenha visto, e de um leque muito bom de secundários, Phoenix carrega Two Lovers nos seus ombros, com uma leveza que chega a assustar.
Aqui tudo parece honesto e sincero, e até a mais inverosímil das reviravoltas faz todo o sentido. E o mérito maior é de Phoenix, que constrói um personagem que nos toca e que aprendemos a compreender.

No futuro, quando alguém falar de Two Lovers, serão várias as cenas que iremos relembrar e, nessa altura, vamos dizer "ainda bem que aquela palhaçada do Phoenix era mesmo só uma grande palhaçada" e nesse momento vamos pedir-lhe, ainda que não da forma poderosa como ele o fez:

Don´t "Go!"

Man On The Moon

2009-08-26T23:27:00.001+01:00

"Hello, my name is Andy and this is my review."

Dizia, nos comentários uns posts abaixo, o homem moderno que o ano de 1999 foi extraordinário no que ao cinema diz respeito. Eu concordei e referi alguns dos filmes mais "valorizados" dessa colheita e referi também um "patinho feio" que também viu a luz em 1999.
Já perceberam que falo de Man On The Moon.

Sobre Man On The Moon faço aqui a minha declaração de interesses: eu não gosto de Jim Carrey, cuja carreira suscita em mim um misto de "o que é isto!?" com "ok, desisto...".
Há, como sempre, algumas excepções na sua filmografia. Procuro não conhecer tudo o que o senhor fez, mas do que conheço só em 2 filmes Carrey me convenceu.
Obviamente que tive a fase em que Dumb & Dumber era um grande filme mas isso agora não conta...E, assim sendo, só em Eternal Sunshine of the Spotless Mind Jim Carrey mereceu o meu respeito depois das vénias que recebeu da minha parte por este magnífico Andy Kaufman em Man On The Moon.

Man On The Moon é o biopic que me vem à memória assim que me perguntam sobre um filme biográfico que eu considere muito bom. Claro que existem muitos outros, Che terá sido o último dessa lista, que mereceram o meu aplauso mas Man On The Moon tem qualquer coisa de especial, de diferente.
Talvez seja da peculiaridade de Andy Kaufman, da mestria de Milos Forman, do argumento escorreito e belíssimo, ou apenas de mim. A verdade é que Man On The Moon é especial e Jim Carrey foi roubado pela Academia.

Este é um daqueles filmes que suscitam uma curiosidade enorme para conhecer o retratado assim que o filme termina, e isso, naturalmente, reflecte a qualidade da obra a que acabamos de assitir.

Falar de Andy Kaufman não é fácil, tal a singularidade do artista. Peculiar e absurdo seriam palavras simpáticas e curtas. O que sim se pode dizer é que esta é a comédia mais triste que conheço ou, por outro lado, é o drama mais luminoso a que assisti.
E depois, para lá de tudo o que foi Andy Kaufman, temos Jim Carrey que se confunde, literalmente, com Kaufman.
É uma composição assombrosa de Carrey, que veste, como poucas vezes vi, uma pele que lhe parece servir na perfeição. Os tiques, o olhar, o timing, o andar, a fala, está tudo lá. E sim, eu consultei essa enciclopédia visual que dá pelo nome de Youtube para comparar o verdadeiro Kaufman com Carrey. E fiquei sem palavras...

Contagiada pela belíssima banda sonora dos REM, Man On The Moon é uma obra fascinante que nos devolve o inesquecível Latka da série Taxi.

Thank You Very Much!

Elephant

2009-08-18T00:45:00.000+01:00

Já tinha referido que uma entrada sobre este magnífico trabalho de Van Sant estava em falta.
Era uma falha grave. Gravíssima mesmo.
E nada melhor que o enquadramento com The Virgin Suicides para seguir num tom mais ou menos próximo.

Elephant é mais um prodigioso trabalho de Gus Van Sant, e é difícil dizer mais do que isto.
De Van Sant já todos sabemos a "cruz" que carrega: ou se ama ou se odeia, e Elephant não "melhora" essa circunstância.

Para alguns trata-se de um exercício "snob" do autor, que ousou tocar numa ferida americana bem latente e que, segundo esses mesmos, não a tratou com o devido respeito.
Para outros, não sei se em maior ou menor número, Van Sant está ali na categoria dos geniais e Elephant é apenas mais uma peça belíssima do puzzle a que chamou de filmografia.

E Van Sant é assim. Capaz de não ter um argumento e fazer um filme, de não ter actores e fazer um filme e capaz, até, de fazer um não-filme.
Convenhamos que só os predestinados o conseguem.

Há tanto de belo em Elephant que seria complicado falar de tudo nestas poucas linhas. É um exercício visual fortíssimo, com silêncios mais belos do que o costume em Van Sant e com a profundidade que o seu cinema sempre tem. Pelo menos aos olhos de alguns.

Sim, é inspirado em Columbine e no que aí ocorreu, mas Van Sant vai, como sempre, mais além e aquilo que aqui vemos é um retrato dos nossos dias, onde todos somos inocentes e, na mesma medida, culpados.

É um filme mosaico em que as respostas não estão explicitas, como convém.
É um filme doloroso, com a beleza que Van Sant sempre imprime aos seus projectos.
É um filme de Beethoven quando se esparia um qualquer heavy-metal.
É Van Sant no seu melhor, sem concessões.

Directo. Certeiro. Mordaz. Belíssimo.

The Virgin Suicides

2009-08-17T20:32:00.003+01:00

A música dos Air dá o mote.
Tudo aqui é poético, dramático, inspirador e belo. Acima de tudo, belo.

E pensar que a primeira vez que vi este filme considerei-o pouco mais que banal, comentei até que tinha sido um filme falhado. Shame on me...
Talvez o problema tenha sido uma "coisa" chamada Lost in Translation (que foi o primeiro filme de Sofia Coppola que vi), que colocou a fasquia muito alta, ou talvez tenha sido um problema meu, que terei assistido ao filme num dia mau. Não sei. Mas o problema existiu, não há dúvidas.
Filmes assim não são banais, muito menos falhados.

As irmãs Lisbon são a face do filme, são elas que vivem num tempo que não é o seu, envoltas em mistério. Giovanni Ribisi narra a sua história, de forma poética, causando no espectador uma envolvência que não é comum acontecer.
Ao longo do seu flashback conhecemos a difícil adolescência das irmãs e não paramos de sentir a melancolia, a tristeza e a esperança daquele grupo de adolescentes.

Aqui tudo faz sentido. A cor, o som, as palavras, os actores, os planos.
É criado um ambiente único, surreal por vezes, que permanece por longo tempo.
E sorrimos, na dor que vemos.

The Virgin Suicides coloca-nos algumas questões. Desde logo a mais óbvia "Porque se suicidam as irmãs?"
Cada um de nós fará a sua leitura, e alguns, como eu, dirão apenas "Não sei".
E assim, nesse oceano de hipóteses, vagueia a verdade e nós, entusiasmados, assistimos ao nascer de uma talentosa realizadora.

Parabéns Sofia!

Irréversible

2009-08-01T23:54:00.001+01:00

Originalmente (sim, porque tudo o que se passa aqui no estaminé obedece a um rigoroso planeamento...) esta entrada estava programada para algo diverso do que agora aqui surge.
Seria de bom tom, já que deixei a "porta entreaberta", que referisse o filme planeado para esta entrada, mas (e há sempre um mas) o meu conselheiro para a área de marketing avisa-me que o segredo é a alma do negócio. Assim sendo, nada como esperarem (ansiosamente!) por algo que estará para vir.

Esclarecido este ponto, avancemos, então, para o assunto que motiva este escrito: Irréversible.

Filme choque de 2002 - assim foi apelidado no insuspeito Festival de Cannes desse ano -, Irréversible é, de facto, um filme chocante e nada aconselhável a mentes mais (falta-me a palavra...), mais..., frágeis (?).

Há quem o acuse de ser apenas uma boa campanha de marketing, de ser também uma cópia (falhada) de um novo Memento, há, também, quem o acuse de ser um exercício de promoção do casal Bellucci/Cassel. Há, em resumo, muita gente que não gosta dele. Gente ilustre, certamente (João Lopes, um dos meus críticos de referência faz parte deste grupo), mas cujo o gosto, neste caso, não corroboro.
Certamente que, no meio da genialidade que constitui este filme de Gaspar Noé, existe um pouco de tudo aquilo de que é acusado. Há o marketing potenciado pela dupla de protagonistas e há, certamente, a inspiração que o autor recebeu de Memento. Mas isso não é necessariamente mau.

Irréversible é um filme chocante, com duas cenas que justificam este e outros (mais fortes) epítetos, é, tal como já perceberam, um filme que segue a curiosa narrativa inversa, e é, acima de tudo, um filme de autor, com um trabalho de câmara e de edição que, uma vez visto, ficará para sempre associado a Gaspar Noé.

Esta é uma história cruel, que nos dá a exacta dimensão do tempo, a exacta dimensão da volatilidade dos momentos.
Por vezes de forma cruel, Irréversible é um daqueles filmes que não nos deixa indiferentes. Pode não ser um filme agradável à vista mas é, certamente, um filme admirável.

Para la da narrativa peculiar e do estilo ousado de Noé, Irréversible vive, e muito, da actuação do casal Bellucci - Cassel. A exposição do casal é máxima e a entrega é total. Monica Bellucci dá a enésima prova da seu inegável talento, e, quando tal não parece possível, surpreende-nos uma vez mais.

A fragilidade é isto...

Man on Wire

2009-07-30T21:05:00.001+01:00

Philippe Petit tinha um sonho.
E, às vezes, ter um sonho é um crime...

Philippe Petit ignorou o Mundo e cumpriu-o. E quis fazer de nós suas testemunhas. E nós, perante o embaraço que a sua audácia nos causa, apenas dizemos Merci!

Contado, em jeito de "era uma vez...", ninguém acreditaria. Visto, da forma brilhante como James Marsh o conseguiu, mais incrédulos ficamos.
Mas foi mesmo verdade. Em 1974 Philippe Petit cumpriu o seu destino, o seu sonho.

Classificado como Documentário, e vencedor do Ócscar na categoria, Man on Wire é muito mais que um mero conjunto de factos históricos.
Aqui temos arte, magia, coragem, algum humor e, acima de tudo, uma dose tremenda de inspiração.

Quem, como eu, não conhecia, em profundidade, a história de Philippe Petit tem aqui uma bela oportunidade de o fazer.
São 90 min mágicos, em que a jornada de Petit é explicada e, por muitos, compreendida.

Philippe Petit tinha um sonho e nunca se deixou vencer por ele. Porquê?
Os sonhos não se explicam...

Heat

2009-07-29T21:26:00.004+01:00

Algumas notas introdutórias:

- Sim, eu sei, já estava em falta aqui com o estaminé...
- Sim, eu sei, esta é uma época "baixa" na indústria cinematográfica, aqui para estes lados da Ibéria;
- Sim, eu sei, isso não é desculpa para mais esta ausência...
- Vou tentar, sim tentar, voltar aos "eixos" e falar sobre 3-4 filmes que tenho em atraso.

Vamos a isso.

Começo por Heat, um daqueles filmes de acção que nos ficam na memória por tudo aquilo que representam com excepção da...acção.
Heat não é um filme recente, eu sei, e só me lembrei dele porque aquelas lojas que começam por F e terminam em C, com um N e um A no meio, têm, desde há poucos dias, uma promoção que consiste em trocar os velhos VHS por vales de desconto em DVD/Blu-Ray, e aqui o je aproveitou e livrou-se de uns 5-6 velhos e poeirentos VHS.
Com alguns vales de desconto na mão, urgia ser criterioso nas compras que se seguiriam, e foi aí (nessa parte do criterioso) que Heat (edição 2 discos) me saltou aos olhos (e depois para as mãos) e serve, agora, de mote, após uma visualização recente, a estas linhas.

Um filme com Al Pacino e Robert De Niro é, à partida, um sucesso. Um filme com Al Pacino e Robert De Niro pode, em mãos erradas, ser uma banhada. Um filme com Al Pacino e Robert De Niro, com direcção de Michael Mann, é, seguramente, um grande filme. E tem cerca de 170 min...

Enquanto Public Enemies não chega, ver Heat faz-nos salivar ainda mais. É certo que Al Pacino e Robert De Niro ajudam mas caramba, até o Val Kilmer parece actor nas mãos de Michael Mann.

Este é mais um daqueles filmes de personagens, carregadas de características, de imperfeições e de semelhanças. É um filme com sumo, como convém, e que nos agarra desde o frenético início.

Heat tem ainda a extraordinária proeza de colocar lado a lado dois monstros do cinema, representando cada um deles o herói e o vilão, logo, representando dois mundos ditos antagónicos mas que por vezes, mais do que se calhar pensamos, se fundem num só, com dúvidas e certezas comuns como tão exemplarmente se constata na conversa de café que ficou na história do cinema.

Se ainda não viram, tentem não o perder assim que um qualquer serão televisivo o proporcione.
É que, mesmo em tempo frio, este Heat cai sempre bem.

Last Days

2009-07-09T23:56:00.001+01:00

Diz o ditado que gostos não se discutem. Eu concordo.

Nem todos podemos gostar de azul, de OCS, de francesinhas em Canelas, de NBA... Há quem goste de vermelho, de Tony Carreira, de figos ou de touradas... Enfim, há gostos para tudo.

Vem isto a propósito de um filme, que o título desta entrada denúncia, que foi recebido com críticas ferozes, palavras amargas e, presumo, até com algumas pedras na mão...
Eu, admirador confesso do seu autor (Van Sant), desconhecia-o até à poucos dias atrás. Não sendo um profundo conhecedor da sua obra, conto com 5 filmes vistos da sua filmografia (a propósito, falta aqui um post sobre o Elephant...), considero-me um conhecedor médio de Van Sant e, sempre que parto para um dos seus filmes, faço-o munido daquelas "lentes especiais" que me inserem no universo Van Santiano.
Há quem não goste dessas "lentes", e quem ache um abuso ter que as "adquirir" para ver um filme.
Não os censuro. Os gostos não se discutem.

Last Days é um daqueles casos de, como direi, incompreensão (?) ou então eu sou um dos poucos (pelo que leio) que tomou por excelente uma autêntica banhada...
Cada um dirá de sua justiça.

Eu, pela minha parte, só o posso elogiar e dizer a Van Sant (sim porque é menino de passar por aqui a dar uma olhadela) que compreendi perfeitamente o que fez, como fez e porque fez. Por mais abstracta que seja a interpretação que cada um faz de um filme.

Desta obra maior retenho dois momentos sublimes, de entre uma mão cheia deles: o início, perfeitamente claustrofóbico, onde um intenso monólogo silencioso dá o tom para tudo o que se segue; e o afamado "Long Dolly Shot" que, mais ou menos a meio do filme, derruba as ultimas resistências que ainda subsistem.

Van Sant é controverso e não é, certamente, consensual mas há uma faceta que ninguém pode negar, para o bem ou para o mal:
É único.

Caos Calmo

2009-07-03T23:49:00.004+01:00

O que é a dor?
O que é o vazio?
Como se manifestam?
Faz sentido que exista um padrão de comportamento/reacção à perda e ao vazio?
Poderá existir um Caos Calmo?

São estas, no meio de alguns devaneios narrativos, as questões que ficam depois de se assistir a Caos Calmo, protagonizado pelo brilhante Nanni Moretti.

Alicerçado num desempenho brilhante do leque de actores, o filme vive também daquela aura que, regra geral, marca os filmes italianos e franceses. Não todos, claro. Apenas aqueles especiais, que têm algo a transmitir, e que não se perdem no meio do caminho.

Nanni Moretti deixou a realização noutros braços (Antonio Luigi Grimaldi) e concentrou-se na sua vertente de actor para nos dar a conhecer um Pietro Paladini que só imaginamos composto por si.
Ao seu lado, sempre a seu lado, brilha a pequena estrela de Blu Di Martino, e brilham também todos os secundários (do brilhante Silvio Orlando, a Valeria Golino, Alessandro Gassman, Isabella Ferrari e uma pequena aparição de Roman Polanski).

Dando seguimento à qualidade sonora que costuma marcar as boas produções europeias, em Caos Calmo encontramos a mestria de um Rufus Wainwright e de uns Radiohead e a surpresa de uns, para mim desconhecidos, Stars. Todos no tom e no momento certos.

Caos Calmo parece viver num paradoxo, na utopia e, por vezes, na negação. Mas vive bem.
Vive seguro, porque nem todos somos iguais.
Vive ao seu ritmo, porque nem todos corremos ou ficamos parados.
Vive na sua busca interior, porque por vezes quanto mais descemos mais nos damos conta que o fundo ainda está longe...
E Vive com esperança, porque a felicidade pode estar ali, num banco de jardim, ao nosso lado.
Ali, num simples abraço.

Der Baader Meinhof Komplex

2009-06-30T19:20:00.004+01:00

A avaliação de um filme faz-se, maioritariamente, por uma comparação entre os factos positivos e os negativos dessa obra. Regra geral, os positivos têm que estar numa proporção ali para os lados dos 70-30 para que eu decida escrever sobre o filme, mas hoje, e porque nem todos os filmes respeitam esta lógica, vou abordar um cujas qualidades e defeitos andam muito perto.
É o género de um Slumdog Millionaire europeu :)

Feita a ressalva, avancemos.
Um filme que se inicia ao som de Janis Joplin e termina com Bob Dylan merece, por si só, o meu respeito. Convém é que o "miolo" da coisa não estrague tão bom inicio e, como adiante se verá, final.
E não estraga.

Podia era ser melhor em alguns aspectos. Podia ser mais directo, mais profundo, podia até ser um pouco mais curto. Podia ser tudo isto e, como diz o anúncio, "não seria a mesma coisa".
Talvez fosse pior, duvido, mas pelo menos eu ficava mais tranquilo e percebia que o produtor/realizador queria ter ido pelo caminho que eu considero melhor. Mas lá está, eu não sou alemão, nem vivi os anos 60 e 70, e por isso, que sei eu?

Der Baader Meinhof Komplex é um filme político e quem não gosta do género pode parar por aqui.
É assim daqueles "pesados", com muita história e que nos remete para um dos grupos terroristas mais famosos na Europa do séc. 20.
Dá-nos conta da sua ascensão, da sua luta, do seu declínio e do seu fim. Mostra-nos que por detrás de um terrorista está, quase sempre, alguém cuja voz não é ouvida a tempo e mostra-nos, tal como o recentemente aqui abordado Die Welle, que o poder das massas não pode nunca ser negligenciado.

O realizador Uli Edel aposta nos detalhes, por vezes mais narrativos do que emocionais, o que é pena, e, da sua obra, sobressai o tom quase documental da mesma, com os actores a assumirem o papel de meros "tarefeiros".
Ainda assim, o trio principal merece algum crédito, pese embora a "redoma" a que estão sujeitos.

Este, embora nomeado para o Óscar de melhor filme estrangeiro em 2008, é um daqueles filmes que poderiam passar despercebidos não fosse o facto de no seu interior detectarmos algo que num filme, ainda que baseado em acontecimentos reais, fica sempre bem:
A honestidade.

Dans Paris

2009-06-17T22:47:00.006+01:00

E neste momento os seguidores deste local (sim, eu sei que existem) pensam: "Mas este agora deu numa de só ver cinema europeu e em particular francês?..."
E a resposta é nim.

Por um lado o cinema europeu já não sofre do estigma de que, durante algum tempo, sofreu, por outro lado há autores que, uma vez iniciados na sua obra, ficam na memória e merecem uma, tanto quanto possível, exaustiva análise.
É o caso de Christophe Honoré.
Depois de Les Chansons d'Amour, andei para trás e, de um modo pouco lícito (que não interessa explicar...), dei de caras com Dans Paris.

Aí chegado, que vi eu?
A quem diz que Les Chansons d'Amour é a continuação de Dans Paris só posso manifestar a minha discordância. Há, ressalve-se, um ponto em comum: a qualidade.
E Louis Garrel...

Dans Paris é muito mais negro, mais pesado, mais intimista, mais, como dizer, inacessível(?)...
Tem uma estrutura curiosa, que se centra quase em exclusivo no estudo das personagens e deixa para segundo plano a "história".
Tem um grupo de actores que consegue suplantar o de Les Chansosn d'Amour.
Tem Louis Garrel, que verifico ser um actor de mão cheia; tem Romain Duris a "partir tudo", tal como havia feito em De battre mon couer s'est arrêté; tem Guy Marchand a elevar o nível dos outros dois protagonistas e, talvez, a superá-los; tem Christophe Honoré a fazer-me esperar com alguma impaciência por La belle personne; tem aquela que é provavelmente a melhor conversa telefónica da história do cinema; e tem, essa coisa, que não se vê mas que às vezes se consegue sentir, que se chama alma.

O último elogio que lhe posso fazer é dizer que ali, do lado direito, numa secção que se chama DVDteca, irá, logo que possível, passar a constar um novo título iniciado pela letra D.

Dans Paris encerra, no seu próprio título, a sua maior virtude, a singularidade.

Les Chansons d'Amour

2009-06-13T23:09:00.004+01:00

O cinema é surpreendente!

Se me dissessem que eu ia gostar de um "musical" a minha resposta só poderia ser uma: "nem pensar! Filmes sobre música sim, agora actores a cantar no meio de cenas, saídos do nada...nem pensar!".
Até ao momento em que vi Les Chansons d'Amour de Christophe Honoré, afamado realizador francês, cuja obra contempla um muito elogiado Dans Paris a que ainda não assisti porque não o encontro para aluguer e custa-me sempre partir para a aquisição de um filme que ainda não vi...

Voltando ao tema, Les Chansons d'Amour são isso mesmo, um leque, julgo que 14, de canções que retratam o amor nas suas mais diversas formas. De forma poética, sempre. Com um toque de humor, às vezes. Trágicas, quando se impõe. Fascinantes.

Não é um filme "acessível", existem barreiras a ser vencidas e os preconceitos (estéticos e de argumento) estão sempre presentes, mas, uma vez quebrados, o "sumo" que recebemos é incrivelmente poderoso e belo.

Com um naipe de actores franceses de inegável talento, com destaque para Louis Garrel perfeitamente hipnotizador em todas as cenas, Les Chansons d'Amour brilha pela suas qualidades técnicas, que vão da fotografia (sombria) aos planos ousados e, claro está, ao formato musical que o realizador escolhe para retratar as personagens.

Da qualidade da música, a cargo de Alex Beaupain, reconheço existirem faixas que sobressaem e que algumas, poucas, não me conseguiram cativar.
De entre aquelas que ficarão para sempre na memória destaco a extraordinária "Ma mémoire sale" que representa, possivelmente, o ponto alto de um filme cheio deles.

O cinema, tal como todas as artes, deve ser compreendido e vivido de forma individual, sendo natural que nem todos gostemos do mesmo. E se, regra geral, me custa "aconselhar" um filme pela subjectividade do conselho, neste caso, por se tratar de um filme que adquire um dimensão ainda mais pessoal, abstenho-me mesmo de o fazer.

Quanto a mim, defino-o numa palavra: parfait!

FC Barcelona

2009-06-02T01:20:00.001+01:00

Estou esmagado!
Isto não é cinema mas é de igual forma mágico.

Quando Pep Guardiola os chamou, no pico do aquecimento, para o balneário, os jogadores estranharam e reagiram com surpresa.
Uma vez chegados ao balneário, e a 10 min do início do jogo de uma vida, viram isto:

Não sou um "culé" de sempre, longe disso, mas, e até para que fique para a posteridade, assumo-me aqui, hoje.

Visca El Barça!

Die Welle

2009-05-30T23:29:00.007+01:00

E de repente...fez-se luz de novo.

Pois é, depois de uma prolongada ausência, motivada por circunstâncias várias (a maior das quais a pouca qualidade de cinema que tenho visto...), cá estou eu de novo, para infelicidade de quem pensava que aqui o pasquim já tinha encerrado de vez... :)

Como referi, a qualidade e quantidade de filmes a que tenho assistido tem sido diminuta, o que me fez negligenciar, mais do que queria, este espaço.
Com o decurso do tempo, e não tendo assistido a nada merecedor de uma referência, pensei em abordar um daqueles "pesos pesados" a que, por receio de tamanha empreitada, me tenho furtado.
Pensei em Taxi Driver, em Raging Bull e até, pasme-se, em The Godfather. Acobardei-me, é a palavra, e resolvi esperar por um qualquer aluguer que despertasse em mim a vontade da partilha.
E ele chegou.

Directamente do, cada vez melhor, cinema alemão, chega-nos Die Welle. Ou, para os menos afeiçoados à língua germânica, The Wave.
Realizado por Dennis Gansel, Die Welle baseia-se numa experiência real, The Third Wave, e procura, de um modo inovador, questionar a força das massas, a força das lideranças, e, consequentemente, os seus perigos.

Inserido numa semana escolar temática, somos levados a conhecer o professor Rainer Wenger (o típico professor "boa onda", brincalhão q.b, acessível para os alunos) que tem como tema semanal a abordagem à autocracia.
Sabedor que o tema poderia não agradar aos seus alunos, opta, num misto de teste/jogo, por levar a abordagem por um caminho diferente.
Assim sendo, sugere a criação de uma série de princípios de igualdade no seio da turma, de modo a responder a uma questão inicialmente colocada: Será possível a existência de uma nova ditadura na Alemanha?

A resposta a esta questão não sou eu que a vou dar. É o filme, e todo o seu argumento, que nos procuram responder, por vezes de forma surpreendente.

Num filme cheio de pequenas mensagens, Die Welle sobressai por ser um todo coeso e bem estruturado.
Aqui, não faltam as interpretações convincentes, de Jürgen Vogel (o professor) passando pela maioria dos alunos, não falta a ousadia de alguns planos, a opção por uma montagem que vai do frenético ao poético, e, acima de tudo, não lhe falta alma. O que por si só é um grande elogio que lhe posso fazer.

É um filme algo pesado, na medida em que nos coloca algumas questões difíceis mas pertinentes, e é, sem dúvidas, mais uma prova de que o cinema alemão está de boa saúde.

Num oceano cheio de coisas más fica o meu apelo a que não percam esta Onda.

This is England

2009-04-24T21:56:00.003+01:00

Confesso que nos últimos tempos a motivação para ver cinema não tem sido muita por estes lados, no entanto, alertado por várias críticas positivas (nomeadamente aqui ) resolvi assistir a este This is England, estreado entre nós mais de 2 anos depois do seu lançamento.

Numa altura em que uma visita a Londres se aproxima a passos largos, conhecer um pouco mais da cultura inglesa é sempre positivo. E quando esse conhecimento vem no formato de filme, melhor ainda.

This is England, retrata a Inglaterra do início dos anos 80, vista pelos olhos dos jovens de uma pequena cidade, imbuídos do espírito "skinhead" da época.
Tem algumas semelhanças com outros filmes do género (American History X vem de imediato à cabeça), mas o que o distingue é a forma como nos mostra esta realidade.

Filme independente que se preze contrapõe os escassos meios a uma dose de arrojo acima do normal. This is England consegue-o, apostando numa realização deveras criativa e nada formal.

O próprio argumento é de enorme qualidade, mesclando , na exacta medida, as situações de comédia com as de drama, sem nunca se esquecer do essencial: a mensagem.

Filmes deste calibre exigem personagens fortes, marcantes. This is England conta com elas.
Se Stephen Graham é a confirmação daquele jovem actor que deu cartas em Snatch, é Thomas Turgoose quem rouba todas as cenas, tornando-se, desde já, um actor a seguir com atenção.

Obviamente que a qualidade do filme depende muito das mãos que o dirigem. Também nesse domínio This is England está bem servido pois Shane Meadows realiza um filme que flui muito bem (chegamos ao final a pensar "já?"), e com algumas cenas muito bem conseguidas, com mensagens fortíssimas (de que é exemplo o genérico inicial).

É pois uma grata surpresa este This is England, um filme que caminha numa linha perigosa mas que nunca se desequilibra, mostrando uma coesão de que poucos filmes se podem orgulhar.

Para quem, como eu , está a poucos dias de viajar até terras londrinas, This is England é um óptimo pedaço de informação histórica.

Afinal, espero, This Was England...

Hunger

2009-04-10T22:41:00.007+01:00

Mais do que o filme político, que retrata as vivências dos presos do IRA em 1981, Hunger é, no limite, um murro no estômago, daqueles fortes, cruéis até, que surgem sem aviso e de onde não esperamos: Steve McQueen assina aqui a sua estreia na realização e o mínimo que podemos dizer é que o faz como "gente grande".

Hunger mostra-nos a decadência e as condições desumanas em que os prisioneiros do IRA viviam no auge dos conflitos. E se muitos filmes conseguem ser fiéis a uma época, com retratos notáveis, Hunger vai mais além e choca-nos com o detalhe das acções e situações. Não é explicável por palavras aquilo que nos vem ao pensamento quando visualizamos determinadas cenas. A crueldade, decadência e violência atingem dimensões poucas vezes exploradas na 7ª arte. Visceral é a palavra que melhor define esta película.

Mas, ao menos tempo, consegue ser um filme belíssimo, com momentos de génio (o take da conversa entre a personagem principal e um padre fica na memória pela profundidade do diálogo e pela beleza da cena) e com uma fotografia e montagem assombrosa.

Depois, e no meio de interpretações plenas de realismo e de superação, surge Michael Fassbender, como protagonista, que sofre uma transformação física admirável (como eu só tinha visto fazer a C Bale em El Maquinista) e que não se fica só por ela, atingindo uma profundidade na interpretação digna de um veterano. O seu olhar é fortíssimo e, por si só, enche todo o ecrã.
Sobre Fassbender, que era um desconhecido para mim, é bom saber que estará no muito aguardado Inglourious Basterds dirigido pelo genial Tarantino. Promete.

Hunger é um filme para sentir e reflectir.
Reflectir sobre as atrocidades humanas e sentir as motivações, por mais absurdas que nos pareçam, que movem as pessoas.
Porque, no limite, são essas motivações que fazem com que no futuro, as novas gerações, não precisem de trilhar os mesmos caminhos sinuosos.

Mais uma pérola europeia aconselhada a estômagos fortes.
Fortes de modo a tolerarem a beleza intolerável que é Hunger.

Che

2009-04-03T01:26:00.004+01:00

E quando a obra se fecha temos a sensação que assistimos a uma verdadeira revolução, dentro de nós, e saímos, em silêncio, a meditar sobre aquilo a que assistimos. E, enquanto os créditos rolam, juntamos as peças deste magnífico puzzle, porque é um crime a obra não ser vista em contínuo, e, interiormente, aplaudimos e agradecemos a Soderbergh e a Del Toro por nos mostrarem aquilo que, genuinamente, queríamos ver.

Vemos um mito. Uma luta. Um ideal. Uma vida.

Che, sobre o qual quis escrever na globalidade, é um filme enorme. Não só na sua duração (cerca de 4 horas que, tenho a certeza, seriam merecedoras de uma dupla sessão em contínuo), mas, sobretudo, nas mensagens e na forma.

Filmar um ícone como Che Guevara, implicaria a adopção de alguns lugares comuns que, certamente, tornariam esta obra em "apenas mais uma". Felizmente, Soderbergh e Del Toro (mentores de todo o projecto) optaram por outro caminho, menos convencional, que só a valoriza.

Dividido em duas partes, que volto a frisar deveriam ser vistas em sequência, Che mostra-nos o "nascimento" de um homem, a sua luta, o seu legado, os seus ideais e, como não poderia deixar de ser, o seu fim. Um fim que é ao mesmo tempo um princípio...

Na primeira parte o "retrato" deste homem é feito de um modo quase anti-biográfico. Não nos é mostrado muito do seu passado, nem das suas motivações, apenas nos é apresentado um homem que quer mudar a vida. Dele e, principalmente, de quem o rodeia.
A abordagem desta primeira parte é mais filosófica do que construída com grandes momentos de acção.
É também nesta altura que a mão de Soderbergh começa a surgir em grande estilo, quer pela belíssima opção de mesclar a narrativa com dois factos que surgem cromaticamente diferenciados, quer pela possibilidade de nos dar planos prodigiosos que marcam o ano cinematográfico.

Somos, ao longo deste primeiro "pedaço de história", guiados ao interior de Che, com a qualidade que apenas os predestinados conseguem. E é aí, nessa viagem interior, que emerge a assombrosa figura que Benicio del Toro é.
Colossal é o adjectivo que me ocorre para classificar a actuação de Del Toro.
Se a presença física está garantida à partida, pela semelhança visual existente, o que sobressai é a interiorização da personagem que Del Toro faz.
Os olhares, os silêncios, a voz, a entoação, tudo soa natural e verdadeiro.
Del Toro, conhecido por grandes papéis na sua carreira, consegue aqui senão o melhor um dos melhores, e, certamente, o mais marcante.

Se a primeira parte da obra acompanha a revolução cubana, em grande medida de um modo filosófico, a segunda parte da fita dá-nos a conhecer um outro Che.
O Che que passou quase um ano na selva boliviana, um Che mais activo mas nem por isso menos interessante.
Confesso, até, que se tivesse que recomendar apenas a visualização de uma das duas partes (coisa que não farei porque elas são indissociáveis) esta seria aquela que recomendaria com, ainda, maior entusiasmo.
Aqui, vemos a "obra feita". Tudo aquilo que a primeira parte anunciava, e tudo aquilo Che representa, está, efectivamente, presente.
É uma segunda parte mais "mexida" mas sem descurar, longe disso, todo o lirismo que acompanha a obra desde o seu início.
As imagens, belíssimas; a banda sonora, certeira e esmagadora; os planos, geniais. De tudo isso vive o filme.

Che é, como não poderia deixar de ser, um filme controverso, porque haverá sempre quem defenda que os ideais que aqui são mostrados são os errados ou, até, que o filme não corresponde à veracidade histórica da situação.
Da minha parte, e como já disse atrás, fica o agradecimento à dupla Soderbergh- Del Toro por me terem dado a conhecer um pouco mais desse mito que foi Ernesto "Che" Guevara.

E deram-no a conhecer da forma que, para mim, é a ideal: através do cinema e de um filme que é, já hoje, um dos melhores filmes que vi e cujo plano final representa tudo aquilo que Che foi.

Hasta Siempre!

De Battre Mon Coeur S'est Arrêté

2009-03-27T23:12:00.005Z

No campo do cinema nada me deixa mais satisfeito do que descobrir estas pérolas "anónimas" que mostram, pela enésima vez, que no cinema, tal como em quase tudo, não são precisos grandes meios, nem grandes produções, para se conseguir algo de mágico, de arrebatador.

De Battre Mon Coeur S'est Arrêté é apenas mais um desses exemplos e, curiosamente (ou talvez não...) vem do país que mais cartas tem dado no rejuvenescimento do cinema europeu, a França.

Baseado, livremente, no filme americano Fingers (1978), esta é uma adaptação que, sem ter visto a original, arrisco dizer, em nada lhe fica a dever. A começar pelo título, que é um daqueles casos que "casa" perfeitamente com tudo aquilo que se passa na fita.

Aqui assistimos a uma viagem ao interior de Tom, uma pessoa normal (e as histórias das pessoas "normais" são sempre as melhores), que atravessa uma fase da sua vida povoada por negrume e sombras.
No entanto, Tom tem um sonho e é por ele que vai lutar. À sua maneira. A maneira possível...

Nesta viagem pelo mundo de Tom, cravada de um intenso realismo, merece destaque a forma como Jacques Audiard (realizador) nos "pinta" o quadro que vemos. As luzes têm sempre um propósito, os planos surgem sempre "porque sim" e os actores, magistralmente dirigidos, colam-se inteiramente às suas personagens.

No capítulo das interpretações Romain Duris, no papel de Tom, surge numa demonstração de qualidade que raras vezes vemos. É um verdadeiro "tour de force" aquilo a que assistimos da sua parte. A sua ambivalência é notável e por momentos, e passe o exagero, parece que estamos a ver o Travis Bickle de Taxi Driver umas décadas depois.

Tom é o protótipo do anti-herói, é poderoso, sedutor e de igual forma arrogante ou vulnerável, e é no final (num dos melhores finais a que tenho assistido) que tudo faz sentido e que a redenção chega para ele.

Porque aquilo que o fazia mover já não está lá.
Parou...

The Thin Red Line

2009-03-25T22:11:00.008Z

Depois de uma semana com pouco tempo para actualizações cinematográficas, hoje seria o dia em que, supostamente, abordaria esse díptico chamado Che. No entanto, e uma vez que a segunda metade do mesmo estreia já na próxima semana, optei por fazer uma abordagem geral assim que a ela assistir (esperando não me desiludir...).

Assim sendo, o que me faz escrever estas linhas é um filme já com uns anos (1998) a que só assisti muito recentemente. O seu nome, como já repararam, é The Thin Red Line.

Formalmente este é um filme sobre a Guerra, mais propriamente sobre a 2ª Guerra Mundial e em concreto sobre a batalha de Guadalcanal.

Surpreendentemente, o filme é muito mais que um mero "ensaio" bélico. É um filme visualmente poderoso, belo até, e é, sobretudo, um filme em que o sangue derramado é mais interior que exterior.

Diria, até, que é um filme poético. Se é que poesia pode sobressair num cenário destes...

Realizado por Terrence Malick, este filme marca o regresso do realizador às lides cinematográficas depois de um interregno de largos anos. Malick consegue, aqui, além da já aludida poesia, analisar as consequências/sequelas da Guerra pelo prisma filosófico, narradas pelo interior das suas personagens.

É uma outra perspectiva, diferente de tudo aquilo a que estamos habituados neste género, sendo, no meu caso, uma perspectiva que nos conquista desde o 1º minuto. E, para nossa(minha) sorte dura durante cerca de 170 min.
Assistimos à irracionalidade da Guerra e à destruição humana (o termo correcto é auto-destruição) apoiados numa magnífica fotografia, numa banda sonora que impregna o filme de realismo (introspectiva), tudo suportado pela realização de Malick que, como já referi, nos conquista desde o primeiro instante.

Este é um filme que conta com um enormíssimo lote de actores consagrados nos principais papéis: Sean Penn, Adrien Brody, John C Reilly, John Cusack, John Travolta, Nick Nolte, Woody Harrelson, George Clooney, James Caviezel, e alguns mais que agora me escapam.
Todos eles encarnam o espírito que Malick procurou transmitir (no que parece ser um enorme trabalho de direcção de actores), merecendo destaque um soberbo James Caviezel, cuja personagem nos guia durante todo o filme.

Numa abordagem diferente aos horrores da Guerra, Malick consegue construir um filme poderoso, belo e poético.
Se o tivesse que definir numa palavra, e com os exageros que ela implica, diria que é:
Perfeito!

1 Ano

2009-03-18T19:06:00.003Z

Cumpre-se hoje, mais ou menos por esta hora, um ano desde a existência deste espaço.
Confesso que não esperava que durasse tanto, pois a motivação inicial poderia, pensei eu, esbater-se com o decurso do tempo.

No entanto, fruto das circunstâncias (umas melhores, outras piores...), o tempo e a vontade, para aqui partilhar as minhas ideias sobre os filmes que vejo, sempre existiu. E ainda bem.

Constato, também, que este é o post nº 99 que escrevo. É quase um número redondo e apraz-me registar que nestas 99 entradas provavelmente 90% foram direccionadas para o cinema. Obviamente que houve excepções mas todas elas tiveram uma razão. Forte, seguramente.

Resta-me agradecer a todos aqueles que por aqui passam (perdendo o seu tempo...), e, sem desprimor para todos os outros, deixar um especial agradecimento a todos aqueles que, ao longo deste ano, me brindaram com os seus comentários, enriquecendo, desse modo, este espaço que também é seu.

Obrigado.

Match Point

2009-03-16T23:31:00.002Z

Aquando da minha abordagem a Vicky Cristina Barcelona referi, de passagem, os três filmes que Woody Allen, num passado recente, tinha realizado em Inglaterra. Na altura classifiquei-os em " um óptimo, um muito bom e um assim para o fraco".
Se bem que Cassandra's Dream também merecesse uma referência aqui no estaminé (lá chegará o dia), o filme que me leva a escrever estas linhas é o "óptimo" Match Point.

Falar de Match Point é difícil. Pelo menos é difícil fugir dos lugares comuns, verdadeiros, do "fabuloso", "magnífico", "novo Allen, velho resultado", "excelente" e por aí fora.
A realidade é que Match Point é mesmo isso. E consegue-o com o ar despretensioso que todos (ou a maioria) os filmes de Woody Allen têm.

Filmado em Londres (a propósito, 1 de Maio está quase aí...), Match Point foca-se na ambição humana. Nos seus limites e nas suas consequências. E claro, pelo olhar de Woody Allen, com a peculiaridade que isso acarreta.

Sobre a história deste Match Point, não seria correcto desvendar muito do que aqui se passa. É um daqueles filmes em que quanto menos soubermos, melhor. Apenas convém dizer que o argumento é brilhante. Nada menos que isso.

Quanto aos actores, e sem menosprezar a actuação de Scarlett Johansson que aqui compõe o seu melhor trabalho desde Lost in Translation (e provavelmente o seu último bom trabalho...), o destaque tem que ir, por inteiro, para Jonathan Rhys Meyers que encarna, na perfeição, o ambicioso e ambíguo Chris Wilton.
Mérito de Woody Allen, que viu nele o potencial para tão complexo papel.

Match Point, como tudo aquilo (ou quase) que Woody Allen realiza, é um filme inteligente, com algum humor e cheio de simbolismos. E é óptimo constatar isso nas vésperas de uma reunião que aguardo com ansiedade, Woody Allen e Larry David em Whatever Works.

É mais um pedaço de história, pelas mãos de quem sabe.
É Woody Allen fora do seu habitat natural e é Woody Allen em grande forma.
Game, Set and Match!

Gran Torino

2009-03-13T00:58:00.006Z

Há quem diga que este foi o último filme do Clint actor. Eu, como seu admirador, espero que não.

No entanto, se assim for, só posso dizer que ele sai da única forma que poderia sair: em grande, com um último plano do melhor que a sua carreira nos deu.

Clint é isto mesmo. Mágico, directo, honesto, sincero, e, acima de tudo, cheio de classe. Cada vez mais.

Assistir a Gran Torino é entrar no universo de Eastwood, com tudo de bom que isso implica. Aos 78 anos, e depois de nos dar o fantástico Changeling, Eastwood do it again.

E é fantástico, pelo menos para mim, como todos os seus filmes, abordando temáticas diferentes, têm a mesma aura, o mesmo carisma. Todos eles nos prendem ao ecrã e, no final, não conseguimos dizer senão que "aqui está mais um clássico".

Gran Torino é um filme maior. E mesmo na excelente filmografia de Eastwood estará, para mim, nos lugares cimeiros.
É um filme maior que a vida, maior que a morte. Aborda as duas com as certezas e dúvidas que todos temos mas com os seus olhos ( e todos sabem como são especiais) e dá-nos o prazer de o rever no ecrã, com a mesma vitalidade de sempre, num papel que parece escrito propositadamente para si.

Sempre que vou ver um filme de Eastwood espero o melhor e é curioso (notável seria mais adequado) que nunca me desiludi. Hoje foi mais um desses casos. As mensagens que o filme transmite, o modo como tudo se passa, a realização soberba, a música, tudo isso conquista.

Gran Torino é um filme que tem momentos de humor mas onde a carga dramática nunca se afasta, e tanto assim é que não consegui esboçar um sorriso em todo o filme (ok minto, a cena da barbearia foi forte demais...). Tem um ritmo lento, como convém, e tem interpretações fantásticas.

Clint está assustadoramente real, o seu dedo indicador e o seu olhar são do mais forte que o cinema recente nos ofereceu; o restante elenco, maioritariamente desconhecidos, cumpre, na perfeição, o seu papel. É óbvio que não são actores de mão cheia mas o realismo que advém do seu "amadorismo" cai muito bem na narrativa de todo o filme.

Curiosamente, tal como no post anterior, também aqui a juventude actual é discutida. Noutros moldes e num prisma diferente. Infelizmente, os acontecimentos reais (recentes) confirmam que estamos num Mundo cada vez mais estranho, sem apego ao bem supremo que é a vida. E é sobre esse bem supremo que Gran Torino nos fala e ensina. Como todos os filmes de Eastwood fazem. Ensina.

Num filme assim, poderoso, que mais podemos nós querer do que a magia de Eastwood à frente e atrás das câmaras?
Nada.
Apenas pedir que repita.

Paranoid Park

2009-03-10T21:33:00.002Z

Revendo, um destes dias, Paranoid Park dei por mim num daqueles momentos em que um filme cresce aos meus olhos após um segundo visionamento.
Geralmente, e no meu caso, os filmes maiores conservam essa aura a cada visionamento, e os filmes "apenas" bons também têm dificuldade em atingir o patamar seguinte.
Claro que há excepções, quer num caso quer no outro, mas o que verifiquei com Paranoid Park, confesso, foi inesperado.
Talvez seja o efeito de Van Sant e do recente Milk (talvez, mas não creio) mas a realidade é que este segundo visionamento de Paranoid Park elevou-o a um nível que eu, inicialmente, não lhe reconheci.

Paranoid Park é mais um marco no caminho de Van Sant, e, assim sendo, podemos contar com todas as marcas deste realizador que nos deu Good Will Hunting, Elephant, Last Days e o recente Milk, entre outros.
O ritmo é, como quase sempre, lento, pausado, marcado por imagens maioritariamente negras, fazendo deste filme uma espécie de film noir de Van Sant.

No entanto, tal negrume, não impede que a beleza da imagem esteja lá sempre, com planos absolutamente perfeitos e que, mesmo sem sabermos, associaríamos de imediato a alguém como Van Sant.

Apostando numa estrutura não linear, Paranoid Park conta-nos a história de Alex, um jovem de Portland que é perseguido por um fantasma interior.
Aproveitando o caso de Alex, Van Sant aborda, tal como em Elephant, a juventude dos nossos dias. O que são, porque são e , principalmente, o que serão, são algumas das perguntas a que Van Sant procura dar resposta. Ao seu estilo. O melhor possível.

Se a fotografia, o argumento, a realização são impecáveis, o jovem Alex (Gabe Nevins) é uma grata surpresa, carregando às suas costas (literalmente em certos planos) todo o filme e toda uma juventude que nele é projectada. E fá-lo de forma admirável.

Quem acompanha este espaço sabe da minha devoção por Elliott Smith e, portanto, não surpreende que cada filme em que a sua genialidade é usada suba na minha consideração só por esse motivo.
Não é o caso de Paranoid Park. O filme, por si só, justifica estas linhas.
No entanto, é justo reconhecer, que a colocação das duas pérolas de Elliott que aqui surgem (The White Lady Loves You More e Angeles) acontece em momentos perfeitos. Como só Van Sant (que o descobriu) poderia fazer.

Paranoid Park mostra-nos pedaços da vida. Da vida de Alex. Pedaços, uns silenciosos, outros "apenas" belos.
Todos com a marca de Van Sant.
Querem melhor?

Gomorra

2009-03-04T23:51:00.006Z

Não, não vou falar de Watchmen.
Nem hoje, nem mais tarde.
Para muitos talvez seja uma heresia mas a mim, que nunca tinha ouvido falar da graphic novel, nada me diz e não tenciono vê-lo.
Adiante.

Vi, hoje, Gomorra.
Era um daqueles, muitos, filmes que estavam em falta e devo confessar que parti para ele com algumas ideias preconcebidas.
Por um lado a ausência do lote dos 5 nomeados a Melhor Filme Estrangeiro dos recentes Oscars antevia coisas boas. Se eles escolhem Slumdog então temos gostos muito diferentes...
Por outro lado para mim só há um filme sobre a Máfia.
Um não. Dois (exacto, The Godfather III foi um tiro no pé).

Pois muito bem, Gomorra é um óptimo filme. E antes de escrever filme apeteceu-me escrever documentário porque é mesmo isso que ele parece ser. Pelo menos aos meus olhos.
Gomorra, realizado com crueza por Matteo Garrone, conta-nos as histórias de 5 vidas, ligadas entre si pela Camorra.

Em Gomorra estão retratadas todas as influências que o sub-mundo do crime incute no quotidiano de quem com ele lida.
Não interessa a idade, nem o nível social das personagens. Todas elas têm algo em comum. E pelos piores motivos...

O realismo, olhando aqui deste lado mais seguro, parece estar sempre presente, as cores (cruas) retratam-no. E os actores, verdadeiramente credíveis, são uma das suas mais valias.
Sempre que falamos da Máfia, falamos de corrupção, de violência e, nunca esquecendo, da famiglia.
Aqui nada disso falta. Tudo está servido, em doses generosas, com um olhar certeiro e, acima de tudo, sincero.
Com tudo o que a sinceridade aqui representa: quer sejam os fantasmas de um povo que tentam ser eliminados, ou a culpa a ser expiada...

É um filme duro? Sem dúvida.
Tem cenas brutais? Sim (com destaque para a iniciação dos jovens no mundo crime).
E é, sem dúvidas, obrigatório para todos aqueles que querem conhecer um pouco mais desse sub-mundo, que se rege por "princípios" muito próprios, chamado Máfia.

E não digo mais nada porque a famiglia pode andar por aqui...

PS- Acabo de ter a grata surpresa que Man on Wire só estreia em Lisboa.
Tenho, então, duas palavrinhas para as distribuidoras deste país: Fuck You!

Zodiac

2009-02-25T16:03:00.005Z

Ultrapassada esta época de prémios, e enquanto aguardamos pelas estreias de filmes potencialmente muito bons (The Wrestler - filme que visionarei hoje pela 1ª vez no grande ecrã e na minha estreia numa...ante-estreia; Gran Torino, Che e o óscarizado documentário Man on Wire), é tempo de relembrar outras fitas, de outros tempos.

Como já repararam, o filme que hoje abordo é Zodiac de David Fincher.
Zodiac constituía uma falha na minha "cultura cinéfila" visto ser o único filme de Fincher que ainda não tinha visto (com excepção de Aliens cuja temática, confesso, nada me diz), tendo aproveitado o passado fim de semana para o ver, talvez como compensação pelo final, esperado, que aguardava The Curious Case of Benjamin Button nessa "coisa" chamada Óscars...

Já tinha lido boas referências sobre Zodiac e, por saber quem o assinava, a expectativa estava alta. Bastante alta até.

Pois bem, o que tenho eu a dizer sobre Zodiac?
Diria que é um daqueles (poucos) filmes perfeitos.
E por perfeito quero dizer que atinge tudo aquilo que o realizador esperou dele.

Não tem a irreverência de um Se7en, nem a genialidade de um Fight Club mas, por outro lado, demonstra um realizador no auge da sua maturidade, que nos apresenta um filme sem falhas, um filme que, dentro do género dos thrillers, nos agarra desde o início e nos deslumbra com cenas de antologia.

Zodiac retrata, na perfeição, a obsessão humana e as consequências que daí advêm. Zodiac retrata as angústias e os medos que um país (em particular uma cidade) sentiu enquanto investigava um serial killer. E fá-lo de um modo muito próprio, diria de um modo Fincheriano, ali paredes meias com o Mestre Hitchcock.

Baseado num caso real, Zodiac é perfeito no retratar de uma época, com cenários e guarda-roupa sem falhas; e é perfeito no argumento, que, como disse, nos prende e, por vezes, nos corta a respiração.
E depois tem uma fotografia, que pelo que li constituiu um marco no uso da era digital, que nos esmaga.

Voltando à obsessão, ela está na retratada em três das personagens: um jornalista, um cartoonista e o inspector da polícia. Todos eles tentam, com as suas armas e à sua maneira, resolver este enigma. E todos eles são interpretados de forma brilhante por três actores que assinam aqui das melhores performances das suas carreiras.
Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo e Robert Downey Jr elevam o filme a patamares poucas vezes atingidos na sétima arte. E isso, quero crer, é mérito de David Fincher. Mais uma vez.

Ao seu lado temos um leque de secundários de grande categoria, Anthony Edwards (que associamos imediatamente a E.R.), Brian Cox, Chloe Sevigny, Philip Baker Hall, entre outros.

No limite, podemos dizer que Zodiac é a antítese de Se7en. Podemos dizer que o excesso de um é o que falta no outro, que um é ficção e que o outro é a realidade. Podemos até dizer que se complementam nas suas, inúmeras, diferenças.

O que não podemos negar é que ambos têm a mão de Fincher.
E isso vale ouro.

Oscars 2009 - Rescaldo

2009-02-23T11:45:00.000Z

Yes, it was a Slumdog night...

Este post esteve para não existir por 2 motivos. O primeiro prende-se com a minha falta de vontade de falar sobre aquilo a que assisti nesta madrugada, o segundo porque estou a dar demasiada importância a quem não a merece.

Ver Slumdog receber 8 óscares causa-me arrepios. E tem estado sol ultimamente.
A sério. Titanic já tem sucessor na categoria de "filme mais sobrevalorizado dos últimos anos".
E assistir a esta consagração e em cada esquina ouvir "sim, o filme é fabuloso", "eh pá, que filmaço", "quem não gostou é porque é um daqueles críticos falhados" and so on, faz-me crer que eu vivo numa cinefilia diferente da grande maioria.

E este hype todo em torno do filme ainda me torna mais crítico dele. Cada prémio que ele ganha causa em mim um sentimento inverso e ele desce mais uma décima na minha pontuação. O que é pena porque o filme é bom. Só não é o melhor filme deste ano. Nem o 2º, nem o 3º...

Ultimamente avalio o grau de satisfação que nutro por um filme pela sua edição em DVD. Há aqueles que quero comprar mal saiam (Before the Devil Knows You're Dead foi o último), aqueles que comprarei se o preço o justificar e aqueles que sendo bons não fazem parte das minhas prioridades. Slumdog está nesta última categoria.

Se a vitória de Slumdog não me surpreende, a amplitude da mesma atinge o absurdo. Vê-lo ganhar a melhor canção e os melhores efeitos sonoros é surreal.

Outras decepções foram a vitória de Penn (que está fabuloso, não há dúvidas), a vitória de Penélope (a definição de secundário é Viola Davis em Doubt. Uma cena em que arrasa tudo) e ver Revolutionary Road sair sem nada (triste mas esperado).

Quanto à cerimónia em si, pareceu-me com um formato nem carne nem peixe (muitas variedades mas pouco sumo), embora reconheça que o tempo não custou a passar.

Enfim, foi mais do mesmo (em termos de gostos duvidosos...) e a certeza que no próximo ano passo.

Fica, no entanto, a certeza que o Cinema é muito mais que uma Academia.
E ainda bem.

Oscars 2009

2009-02-20T18:15:00.003Z

Os Oscars provocam-me sentimentos mistos. Por um lado reconheço que eles representam o máximo a que um integrante da indústria cinematográfica pode aspirar em termos de reconhecimento do seu trabalho. Por outro lado, e cada vez mais, os erros, diria "de casting", são tantos que dou por mim a pensar "que credibilidade têm estes sujeitos, que parecem viver num mundo diferente. Pelo menos diferente do meu..."

É nesse momento que penso, tal como o Ramon em relação à música e aos Grammy's, que estes prémios não querem dizer nada, e que aquilo que representam em nada muda a forma como vemos o cinema.

Depois, bem, depois noto que estou à espera que chegue o dia da cerimónia e a fazer palpites e a apoiar, às vezes quase de cachecol ao pescoço, aqueles filmes que mais me dizem.
Confesso que a existência do blogue me fez ver mais cinema, analisar mais o cinema (não necessariamente bem, mas à minha maneira), em última instância posso dizer que hoje gosto mais de cinema do que quando aqui comecei.
E a realidade é que dou por mim nestes dias a pensar no que se passará no domingo no Kodak Theatre. Por mais irrelevante que, afinal, seja...

Feita esta introdução ao tema, aqui ficam as minhas "análises" às categorias ditas de "Principais", bem como os meus desejos de vitória e aquelas que penso serem as opções da Academia.

Best Picture
- The Curious Case of Benjamin Button; - Frost/Nixon; - Milk; - The Reader; - Slumdog Millionaire

O melhor filme que vi não está nomeado (Revolutionary Road). Porquê? Não sei. Talvez seja o efeito Obama, e a Academia considerou-o desmoralizador dos sonhos que devem comandar o espírito americano destes tempos de "change"...
O 2º melhor filme que vi também não está na lista (The Wrestler). É defeito meu, certamente...
Assim sendo, torço por Benjamin Button, embora Milk também o merecesse. E sim, veria com muito maus olhos Slumdog Millionaire a vencer esta categoria.
Infelizmente temo que a Academia opte por Slumdog. O hype é muito forte...

Directing
- The Curious Case of Benjamin Button; - Frost/Nixon; - Milk; - The Reader; - Slumdog Millionaire

Aqui, embora apoiando Fincher, e em 2º lugar Van Sant, já não me escandalizaria tanto uma vitória de Boyle. a realização (juntamente com a montagem) é, na minha opinião, um dos maiores méritos do filme.
Nos esquecidos destaco três nomes: Eastwood por Changeling (Gran Torino ainda não chegou...), Sam Mendes por Revolutionary Road e Aronofsky por The Wrestler.
Diria que Ron Howard e Daldry estão aqui a mais.

Actor, Leading
- Richard Jenkins (The Visitor); - Frank Langella (Frost/Nixon); - Sean Penn (Milk); - Brad Pitt (The Curious Case of Benjamin Button); - Mickey Rourke (The Wrestler)

Mickey Rourke ganha. Tem que ganhar!
Sean Penn está, como quase sempre, a um nível muito alto mas Rourke elevou a coisa ainda mais. Destaco a ausência de Di Caprio, que me parece escandalosa (provavelmente substituindo Jenkins que me parece uma variação menor do Bill Murray de Lost in Translation).

Actress, Leading
- Anne Hathaway (Rachel Getting Married); - Angelina Jolie (Changeling); - Melissa Leo (Frozen River); - Meryl Streep (Doubt); - Kate Winslet (The Reader)

Não vi Melissa Leo (não estreou...esperemos pelo DVD...) mas assisti aos 4 filmes das restantes nomeadas. Penso que a falha maior é a exclusão de Kate Winslet por Revolutionary Road (confesso que não sei se o mesmo actor pode ter 2 nomeações na mesma categoria), e, embora seja uma categoria repleta de boas actuações, penso que chegou a hora de Winslet levar para casa a estatueta.
Não desmerecendo de Jolie (principalmente), de Streep e de Hathaway, penso que a Academia não vai surpreender.

Actor, Supporting
- Josh Brolin (Milk); - Robert Downey Jr. (Tropic Thunder); - Philip Seymour Hoffman (Doubt); - Heath Ledger (The Dark Knight); - Michael Shannon (Revolutionary Road)

Ledger tem a interpretação do ano (a par de Rourke), e por muito que me custe ver Hoffman ficar para trás, não consigo pensar noutro vencedor que não Ledger. Shannon que me desculpe também.

Actress, Supporting
- Amy Adams (Doubt); - Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona); - Viola Davis (Doubt); - Taraji Henson (The Curious Case of Benjamin Button); - Marisa Tomei (The Wrestler)

Os 12 minutos de Viola Davis para mim chegam.
Tudo aponta para que Penélope ganhe, mas a dupla de Doubt merecia-o muito mais, principalmente Viola Davis.

São estas as 6 principais categorias. No restante diria que:

- Springsteen devia levar o Óscar e nem nomeado está... Que seja Gabriel a ganhar (e ainda bem que não pactuou com a palhaçada);
- Wall.E é o Óscar mais certo na Animação. E bem;
- The Curious Case of Benjamin Button deve arrecadar uma carrada de prémios técnicos;
- Gostaria que Milk ganhasse o Argumento Original e Doubt o Adaptado;
- Entre Les Murs foi um filme marcante e, embora sabendo que Waltz with Bashir (que não vi) leva aparente vantagem, torço pelo filme francês. Allez!;
- The Dark Knight merece os Óscars pelo Som. E não o vi no cinema...
- Espero que Revolutionary Road não sai de mãos vazias e vença, pelo menos, a Art Direction;
- É desta que Deakins leva o Óscar na Fotografia? Eu diria que sim.

Peço desculpa pela extensão do escrito...
Cá estaremos para o rescaldo.
Enjoy the show! (Embora com o Hugh Jackman...humm...não dava para ser o J Stewart de novo?)

The Wrestler

2009-02-18T22:56:00.005Z

Como começar...

- Podia começar por dizer que pequei. Que não resisti e não consegui esperar por dia 26 e recorri a meios ilícitos porque dia 22 está já aqui e dia 26 está muito, muito, longe;

- Podia começar por dizer que este é o "comeback" da década, que tudo aquilo que esperava se confirmou, que Aronofsky conseguiu suplantar Requiem for a Dream.Podia...;

- Podia até dizer que sou gajo para combater este sentimento de crime que me invade e assistir a duas sessões seguidas do filme mal ele estreie. Sou mesmo. E não me ia custar nada;

- Podia dizer que Revolutionary Road foi destronado do topo da minha lista de filmes de 2009. Podia. Mas era exagero. Não por muito. Mas era;

- Podia também dizer que Aronofosky segue, imparável, o seu percurso até se tornar uma lenda e que da próxima vez que quiser trabalhar com o Pitt, ou outro desse calibre, vão ser eles a pedir-lhe;

- Podia dizer que o Randy "The Ram" aparece na Sic Radical e que eu, num zapping, já o vi por lá. A sério;

- Podia dizer que o Boss canta mal e que a música final não presta. Podia. E depois internavam-me;

- Podia falar de Mickey Rourke e que o Óscar que aí vem é mais do que justo. Podia. Mas eu não vi o Rourke. Alguém viu?

- Podia dizer que a Marisa Tomei é a única que rivaliza com o Rourke na maravilhosa história de Randy "The Ram". Podia mas depois os advogados da Evan Rachel Wood chateavam-se. Com razão;

- Podia, até, começar por dizer que este The Wrestler é uma versão de um Rocky. Podia e estava a ser injusto. Este Randy "The Ram" só encontra comparação no Jake La Motta. E isso diz tudo;

- Podia, também, começar por insultar as distribuidoras que me "obrigaram" a ver o filme fora do cinema. A última vez que me fizeram isto foi com o Into the Wild. Vejam no que resultou...

Podia começar de diversas formas mas, por mais voltas que dê, não sei como começar. É tudo tão cru, brutal, honesto, por vezes tão autobiográfico, que chego a pensar se vi mesmo um filme.

Como vêem não sei como começar mas acho que já disse tudo...

The Reader

2009-02-14T15:02:00.007Z

O holocausto é fonte inesgotável de argumentos para a 7ª arte, o que se reflecte na qualidade dos mesmos. Isto é, a qualidade não anda de mão dada com a quantidade.

Poderia referir inúmeras fitas sobre esta temática que se revelaram um autêntico vazio (a última a que assisti dá pelo nome de The Boy in the striped pyjamas), e são poucas aquelas que me conseguem chocar tal o impacto que produzem.

The Reader, que é muito mais que um filme sobre o holocausto, foi um desses casos.
Com um percurso muito sinuoso até chegar às salas (actores substituídos, director de fotografia que saiu a meio, morte dos dois produtores do filme), The Reader sempre chegou. E em boa hora o fez.

Dirigido por Stephen Daldry, que com três filmes no currículo consegue a proeza de ter recebido três nomeações da Academia, The Reader é a adaptação cinematográfica do romance de Bernhard Schlink, que nos conta a incrível história de Hanna Schmitz.

Não é meu costume desvendar o enredo dos filmes, e não é agora que o vou fazer, mas sempre digo que esta é uma história que nos toca e que nos faz reflectir sobre tudo aquilo que o regime nazi foi.

Esta é a história de um amor de Verão que afinal se revela muito mais profundo do que isso. É a história de Hanna Schmitz e é também a história de Michael Berg. É a história de um romance impossível, num tempo de fantasmas, num tempo perturbante.

The Reader opta por um estilo mosaico, ora recua ora avança nas 4 décadas onde decorre a acção, e fá-lo de modo escorreito, sem falhas e, acima de tudo, fazendo com que o espectador se sinta confortável no desconforto que é o filme.

Com argumento de David Hare, The Reader aborda a justiça, a moralidade, o amor, o passado, a vergonha, sempre com a História como pano de fundo.

Num filme assim, poderoso, os actores são peças essenciais. Também neste campo The Reader consegue estar num patamar muito alto.
De Kate Winslet não adianta falar muito. Está aqui (como poderia estar por Revolutionary Road) o seu primeiro Óscar.
Ralph Fiennes, num papel mais secundário, brilha menos porque o seu personagem assim o exige, mas tudo o que tem para nos mostrar é genuíno.
A surpresa fica para David Kross, o jovem alemão que aqui teve o seu primeiro papel em inglês, que actua como um veterano de grandes batalhas. Nome a reter.

Não sendo uma obra-prima, poucos filmes o são, The Reader tem vários méritos. O maior dos quais o de nos fazer pensar e reflectir. Reflectir não só sobre o período negro do holocausto mas sobre os nossos actos e o passado que todos temos e de que nem sempre nos orgulhamos.
E isso, convenhamos, poucos o conseguem fazer.

Há, em The Reader, um momento em que o espectador fica desarmado: quando Hanna Schmitz pergunta "o que teria você feito? O que esperava que fizesse?".

Nesse momento engolimos em seco e apenas conseguimos dizer "pois...".

Doubt

2009-02-09T21:43:00.006Z

Depois da semi-desilusão que foi Slumdog Millionaire (e não me batam mais...eu GOSTEI do filme), abordo hoje aquele filme que poderia suscitar mais dúvidas (piada fácil, reconheço) nesta "fornada" ininterrupta de cinema de qualidade.

Pois bem, Doubt foi, para mim, uma confirmação, quiçá até mais do que esperava, e a certeza que o cinema de actores é uma maravilha quando bem interpretado.

Não se iludam. As quatro nomeações do núcleo de actores de Doubt não surgem por acaso, nem caem do céu. Tudo é acting ao melhor nível, sem tiques de vedetismo, numa espécie de "eu sei que vou brilhar nesta cena mas quero que tu brilhes mais que eu", e com uma direcção de actores que prima pela qualidade.

Doubt surgiu na mente de John Patrick Shanley como uma peça de teatro e a sua transposição para a tela exigiria cuidados especiais para não perder toda a sua magnitude. Assim sendo, Shanley tomou em mãos o argumento e a realização e apresenta-nos um filme poderosíssimo.

Não tendo visto a peça que lhe deu origem, posso, no entanto, assegurar que o espírito teatral está presente em todo o filme. Quer nas interpretações (a que já aludi) quer no ritmo pausado que pauta toda a trama, fazendo-nos sentir perante um palco onde diferentes actos vão ocorrendo.
Poderão, alguns, argumentar que um ritmo tão "teatral" não se coaduna com o ritmo que o cinema exige. Poderão ter razão, concedo, mas a meu ver o que faz deste filme a experiência única que ele é, é mesmo a "teatralidade" que lhe é subjacente, tanto no ritmo como nas interpretações.

Sendo, como já perceberam, um filme de actores, é chegada a altura de os referir e de lhes dar o devido destaque.
Philip Seymour Hoffman, de quem, provavelmente, nunca vi uma má interpretação, está, como sempre, no seu mundo. O mundo dos geniais.
Meryl Streep, "A" actriz dos nossos tempos, vai muito bem, num papel difícil mas que nos seus ombros parece trivial...
Temos, ainda, duas surpresas: Amy Adams (que apenas vi em Charlie Wilson's War) com uma interpretação notável, nas suas dúvidas e nas suas certezas; e Viola Davis que nos esmaga com apenas uma cena. São, embora diferentes, dois papeis poderosos.

Abordando a Igreja e alguns dos seus tabus, Doubt é um daqueles filmes que nos fazem pensar e que nos mostram o melhor que o cinema nos pode dar: os actores.

Sem Dúvida!